Art de la Renaissance - Caractéristiques, définition et style

Art de la Renaissance - Caractéristiques, définition et style


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Connue sous le nom de Renaissance, la période qui a immédiatement suivi le Moyen Âge en Europe a vu un grand regain d'intérêt pour l'apprentissage classique et les valeurs de la Grèce et de la Rome antiques. Dans un contexte de stabilité politique et de prospérité croissante, le développement de nouvelles technologies – dont l'imprimerie, un nouveau système d'astronomie et la découverte et l'exploration de nouveaux continents – s'accompagne d'un épanouissement de la philosophie, de la littérature et surtout de l'art. Le style de la peinture, de la sculpture et des arts décoratifs identifié à la Renaissance a émergé en Italie à la fin du 14ème siècle ; il a atteint son apogée à la fin du XVe et au début du XVIe siècle, dans l'œuvre de maîtres italiens tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël. En plus de son expression des traditions gréco-romaines classiques, l'art de la Renaissance a cherché à capturer l'expérience de l'individu et la beauté et le mystère du monde naturel.

Origines de l'art de la Renaissance

Les origines de l'art de la Renaissance remontent à l'Italie à la fin du XIIIe et au début du XIVe siècle. Au cours de cette période dite « proto-Renaissance » (1280-1400), les érudits et les artistes italiens se considéraient comme un réveil aux idéaux et aux réalisations de la culture romaine classique. Des écrivains tels que Pétrarque (1304-1374) et Giovanni Boccace (1313-1375) se sont tournés vers la Grèce et la Rome antiques et ont cherché à faire revivre les langues, les valeurs et les traditions intellectuelles de ces cultures après la longue période de stagnation qui avait suivi la chute de l'Empire romain au VIe siècle.

Le peintre florentin Giotto (1267?-1337), l'artiste le plus célèbre de la proto-Renaissance, a fait d'énormes progrès dans la technique de représentation réaliste du corps humain. Ses fresques auraient décoré les cathédrales d'Assise, de Rome, de Padoue, de Florence et de Naples, bien qu'il ait été difficile d'attribuer de telles œuvres avec certitude.

Art de la première Renaissance (années 1401-1490)

À la fin du 14ème siècle, la proto-Renaissance a été étouffée par la peste et la guerre, et ses influences n'ont réapparu que dans les premières années du siècle suivant. En 1401, le sculpteur Lorenzo Ghiberti (vers 1378-1455) remporte un grand concours pour concevoir un nouvel ensemble de portes en bronze pour le baptistère de la cathédrale de Florence, battant des contemporains tels que l'architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446) et le jeune Donatello (vers 1386-1466), qui deviendra plus tard le maître de la sculpture de la première Renaissance.

L'autre artiste majeur travaillant pendant cette période était le peintre Masaccio (1401-1428), connu pour ses fresques de la Trinité dans l'église de Santa Maria Novella (vers 1426) et dans la chapelle Brancacci de l'église de Santa Maria del Carmine. (vers 1427), tous deux à Florence. Masaccio a peint pendant moins de six ans, mais a été très influent au début de la Renaissance pour la nature intellectuelle de son travail, ainsi que son degré de naturalisme.

Florence à la Renaissance

Bien que l'Église catholique soit restée un mécène majeur des arts pendant la Renaissance - des papes et autres prélats aux couvents, monastères et autres organisations religieuses - les œuvres d'art étaient de plus en plus commandées par le gouvernement civil, les tribunaux et les riches particuliers. Une grande partie de l'art produit au début de la Renaissance a été commandée par les riches familles marchandes de Florence, notamment la famille Médicis.

De 1434 à 1492, lorsque Lorenzo de’ Medici – connu sous le nom de « le Magnifique » pour son leadership fort ainsi que son soutien aux arts – est décédé, la puissante famille a présidé un âge d'or pour la ville de Florence. Poussée du pouvoir par une coalition républicaine en 1494, la famille Médicis a passé des années en exil mais est revenue en 1512 pour présider à une autre floraison de l'art florentin, y compris l'éventail de sculptures qui décore maintenant la Piazza della Signoria de la ville.

Art de la Haute Renaissance (années 1490-1527)

À la fin du XVe siècle, Rome avait déplacé Florence en tant que centre principal de l'art de la Renaissance, atteignant un point culminant sous le puissant et ambitieux pape Léon X (un fils de Lorenzo de 'Medici). Trois grands maîtres - Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël - ont dominé la période connue sous le nom de Haute Renaissance, qui a duré à peu près du début des années 1490 jusqu'au sac de Rome par les troupes du Saint empereur romain Charles V d'Espagne en 1527. Leonardo ( 1452-1519) était l'ultime « homme de la Renaissance » pour l'étendue de son intelligence, son intérêt et son talent et son expression des valeurs humanistes et classiques. Les œuvres les plus connues de Léonard, dont la « Mona Lisa » (1503-05), « La Vierge aux rochers » (1485) et la fresque « La Dernière Cène » (1495-98), témoignent de sa capacité inégalée à représenter la lumière et l'ombre, ainsi que la relation physique entre les personnages – humains, animaux et objets – et le paysage qui les entoure.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) s'est inspiré du corps humain et a créé des œuvres à grande échelle. Il était le sculpteur dominant de la Haute Renaissance, produisant des pièces telles que la Pietà dans la cathédrale Saint-Pierre (1499) et le David dans sa Florence natale (1501-04). Il sculpta ce dernier à la main dans un énorme bloc de marbre ; la célèbre statue mesure cinq mètres de haut, socle compris. Si Michel-Ange se considérait avant tout comme un sculpteur, il a également atteint la grandeur en tant que peintre, notamment avec sa fresque géante couvrant le plafond de la chapelle Sixtine, réalisée en quatre ans (1508-12) et représentant diverses scènes de la Genèse.

Raphael Sanzio, le plus jeune des trois grands maîtres de la Haute Renaissance, a appris à la fois de Vinci et de Michel-Ange. Ses peintures, notamment "L'école d'Athènes" (1508-11), peintes au Vatican en même temps que Michel-Ange travaillait sur la chapelle Sixtine, exprimaient habilement les idéaux classiques de beauté, de sérénité et d'harmonie. Parmi les autres grands artistes italiens travaillant pendant cette période se trouvaient Sandro Botticelli, Bramante, Giorgione, Titian et Correggio.

L'art de la Renaissance en pratique

De nombreuses œuvres d'art de la Renaissance représentaient des images religieuses, y compris des sujets tels que la Vierge Marie ou la Vierge, et ont été rencontrées par le public contemporain de l'époque dans le cadre de rituels religieux. Aujourd'hui, ils sont considérés comme de grandes œuvres d'art, mais à l'époque ils étaient surtout vus et utilisés comme objets de dévotion. De nombreuses œuvres de la Renaissance ont été peintes comme des retables pour être incorporées dans des rituels associés à la messe catholique et offertes par des mécènes qui ont parrainé la messe elle-même.

Les artistes de la Renaissance venaient de toutes les couches de la société ; ils étudiaient généralement comme apprentis avant d'être admis dans une corporation professionnelle et de travailler sous la tutelle d'un maître plus âgé. Loin d'être des bohèmes affamés, ces artistes travaillaient sur commande et étaient embauchés par des mécènes parce qu'ils étaient stables et fiables. La classe moyenne montante d'Italie a cherché à imiter l'aristocratie et à élever son propre statut en achetant de l'art pour ses maisons. En plus des images sacrées, nombre de ces œuvres représentaient des thèmes domestiques tels que le mariage, la naissance et la vie quotidienne de la famille.

Expansion et déclin

Au cours des XVe et XVIe siècles, l'esprit de la Renaissance s'est répandu en Italie et en France, en Europe du Nord et en Espagne. À Venise, des artistes tels que Giorgione (1477/78-1510) et Titien (1488/90-1576) ont développé une méthode de peinture à l'huile directement sur toile ; cette technique de peinture à l'huile a permis à l'artiste de retravailler une image – contrairement à la peinture à fresque (sur plâtre) – et elle dominera l'art occidental jusqu'à nos jours. La peinture à l'huile pendant la Renaissance remonte encore plus loin, cependant, au peintre flamand Jan van Eyck (mort en 1441), qui a peint un retable magistral dans la cathédrale de Gand (vers 1432). Van Eyck était l'un des artistes les plus importants de la Renaissance du Nord ; les maîtres ultérieurs comprenaient les peintres allemands Albrecht Durer (1471-1528) et Hans Holbein le Jeune (1497/98-1543).

À la fin des années 1500, le style maniériste, mettant l'accent sur l'artificialité, s'était développé en opposition au naturalisme idéalisé de l'art de la Haute Renaissance, et le maniérisme s'est répandu de Florence et de Rome pour devenir le style dominant en Europe. L'art de la Renaissance continua cependant à être célébré : l'artiste et historien de l'art florentin du XVIe siècle Giorgio Vasari, auteur du célèbre ouvrage « La vie des plus éminents peintres, sculpteurs et architectes » (1550), décrira la Haute Renaissance comme le point culminant de tout l'art italien, un processus qui a commencé avec Giotto à la fin du 13ème siècle.


L'histoire captivante et l'influence durable de l'art de la Renaissance italienne

En peinture, cette nouvelle approche s'est manifestée par des représentations réalistes de personnes, comme en témoigne l'emblématique Mona Lisa. À l'aide de sfumato&mdasha technique dans laquelle l'artiste renonce aux contours audacieux pour des bords doux et flous&mdashas ainsi que des ombres réalistes et une perspective aérienne, Leonardo a pu produire une représentation humaniste et apparemment laïque d'une figure féminine contemporaine.

Léonard de Vinci, Mona Lisa (ca. 1503-1506) (Photo : base de données Joconde via Wikimedia Commons)

De plus, contrairement aux peintures médiévales et mdash qui véhiculent souvent des personnages "flottant" sur des fonds éthérés et mdash, les scènes de la Renaissance présentent généralement des arrière-plans terrestres. Chez Raphaël Madone du chardonneret, par exemple, la Vierge Marie, Jésus et Jean-Baptiste sont placés dans une scène ordinaire et quotidienne de la nature. Cela humanise la sainte famille, aboutissant à une représentation relatable et réaliste.

Raphael, Madonna of the Goldfinch (ca. 1505-1506) (Photo : Google Arts & Culture via Wikimedia Commons)

Fresques

En plus des œuvres traditionnelles sur toile, les artistes de la Renaissance ont popularisé un autre type de peinture : le fresque.

Créées en appliquant de la peinture sur du plâtre humide, les fresques sont appréciées pour leur esthétique mate, la richesse de leurs couleurs et leur nature durable. Ils ornent souvent de grandes surfaces, comme celle de Raphaël École d'Athènes sur les murs des appartements pontificaux du Vatican et le plafond de Michel-Ange de la chapelle Sixtine.

Raphael, L'école d'Athènes (1511) (Photo: Musées du Vatican via Wikimedia Commons)

Michel-Ange, Le plafond de la chapelle Sixtine (1508-1512) (Photo: Jean-Christophe Benoist via Wikimedia Commons)

Sculpture

Tout comme les personnages des peintures de la Renaissance, les sculptures produites pendant cette période témoignent d'un intérêt pour le réalisme. Cela est particulièrement évident dans les sculptures figuratives de Michel-Ange, comme son emblématique David statue. Employant contraposte, ou &ldquocounterpose&rdquo, David présente une posture équilibrée de manière réaliste. De plus, la figurine présente des caractéristiques réalistes et une anatomie détaillée.

Cet intérêt pour le réalisme et l'équilibre se retrouve également dans l'œuvre de Michel-Ange. Piet&grave, une sculpture dramatique de la Vierge Marie avec son fils crucifié.

Michel-Ange, Pieta (vers 1498-1499) (Photo : Stanislav Traykov via Wikimedia Commons)

Architecture

En plus des beaux-arts, le style Renaissance est également évident dans l'architecture de l'époque. Dirigé par Brunelleschi, le designer et architecte à l'origine du célèbre duomo, ou dôme, l'architecture de la Renaissance italienne exprime souvent un intérêt pour la symétrie et l'équilibre.

Filippo Brunelleschi, Florence Duomo (1436) (Photo : Petar Milosevic via Wikimedia Commons)

De plus, les bâtiments de l'époque comportent fréquemment des colonnes, des arcs et des moulures, comme en témoigne la façade ornée de la basilique Saint-Pierre de la Cité du Vatican.

Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno et Gian Lorenzo Bernini, Basilique Saint-Pierre (1626) (Photo : Hadrien Volle via Wikimedia Commons)


Haute Renaissance Italienne (c.1490-1530)

• Peinture Haute Renaissance
Caractéristiques et peintres célèbres.
• Art de la Renaissance à Florence
Masaccio, Donatello, Brunelleschi, Leonardo, Michelangelo et autres.
• Art de la Renaissance à Rome
Raphaël, Michel-Ange et autres.
• Art de la Renaissance à Venise
Mantegna, Giorgione, Titien, Véronèse, Bellini, Tintoret et autres.
• Meilleurs dessins de la Renaissance
Esquisses à la craie, à la pointe de métal, au fusain, à la plume et à l'encre.
• Les plus grandes peintures de la Renaissance
Les œuvres les plus importantes de fresque, de tempera et d'huiles.
• Renaissance nordique (1430-1580)
Jan Van Eyck, Roger van der Weyden, Memling, Bosch, Albrecht Durer.

REMARQUE : Pour l'influence continue du classicisme de la Haute Renaissance sur l'art du 20e siècle, voir : Classical Revival in modern art (c.1900-30).

Remarque : le terme "Renaissance", utilisé pour décrire les nouvelles formes d'architecture, de peinture et de sculpture apparues en Italie, au cours de la période 1400-1530, a été inventé par l'historien français Jules Michelet (1798-1874.)

ÉVOLUTION DE L'ART VISUEL
Pour la chronologie et les dates
des événements clés de l'évolution
des arts visuels dans le monde
voir : Chronologie de l'histoire de l'art.

ARCHITECTURE
Pour plus d'informations sur la construction
conception à la Renaissance,
voir : Architecture de la Renaissance.

ART FIGURATIF RENAISSANCE
Pour un bref aperçu de la tradition
du dessin d'après nu, voir :
Nus féminins dans l'histoire de l'art (Top 20)
Nus masculins dans l'histoire de l'art (Top 10).

PEINTURES-PIGMENTS, COULEURS, TEINTES
Pour plus de détails sur les pigments de couleur
utilisé par les peintres de la Haute Renaissance
voir : Palette de couleurs Renaissance.

GRANDS PEINTRES EUROPEENS
Pour les biographies et les peintures
des plus grands artistes d'Europe
voir : Old Masters : Top 100.

Qu'est-ce que la Haute Renaissance ? - Caractéristiques

La période connue sous le nom de Haute Renaissance couvre approximativement les quatre décennies de 1490 au sac de Rome en 1527. Elle représente l'apogée acceptée de l'art de la Renaissance - la période où les idéaux de l'humanisme classique ont été pleinement mis en œuvre à la fois dans la peinture et la sculpture, et quand les techniques picturales de perspective linéaire, d'ombrage et d'autres méthodes de réalisme étaient maîtrisées. Alors que la première Renaissance précédente avait été centrée sur Florence et largement payée par la famille des Médicis, la Haute Renaissance était centrée sur Rome et payée par les papes. En effet, il a failli mettre la ville en faillite.

Les principaux artistes de la Haute Renaissance à Rome comprenaient Léonard de Vinci (1452-1519) maître de la peinture à l'huile et sfumato Michel-Ange (1475-1564), le plus grand sculpteur et peintre de fresques de l'époque Raphaël (1483-1520), le meilleur peintre de la Haute Renaissance Corrège (1489-1534), le peintre de Parme, célèbre pour ses illusionnistes Assomption de la Vierge (Cathédrale de Parme) (1526-30) et Donato Bramante (1444-1514), le principal architecte de la Haute Renaissance. Les peintres provinciaux comprenaient Luca Signorelli (1450-1523), dont les peintures murales de la chapelle Sixtine et les fresques de la cathédrale d'Orvieto auraient eu une influence importante sur Michel-Ange.

uvres d'art de la Haute Renaissance

Les chefs-d'œuvre de la peinture de la Haute Renaissance comprennent : Genèse Fresques de la Chapelle Sixtine Léonard de Vinci Vierge aux rochers (1484-6, Louvre, Paris), Dame à l'hermine (1490) Musée Czartoryski, Cracovie, Dernière Cène (1495-8, Santa Maria delle Grazie, Milan) et Mona Lisa (1503-5, Louvre) Raphaël Vierge Sixtine (1513), Transfiguration (1518-20), Portrait de Baldassare Castiglione (1514-15) et École d'Athènes (1509-11), dans les salles de Raphaël au Vatican et celle du Titien Assomption de la Vierge (1518, S. Maria Gloriosa dei Frari).

Les points forts de la sculpture de la Haute Renaissance comprennent : Pietà (1500, St Peter's, Rome) et David de Michel-Ange (1501-4, situé à l'origine dans le Piazza della Signoria, Florence, maintenant à l'Académie des Arts de la ville).

La Haute Renaissance s'est déroulée dans un contexte de tensions religieuses et politiques croissantes, qui ont affecté les peintres et les sculpteurs, ainsi que les mécènes des arts dans toute l'Italie. Après le sac de Rome en 1527, il fut remplacé par le style plus artificiel et dramatique du maniérisme.

Développements politiques pendant la haute Renaissance

La découverte des Amériques par Christophe Colomb en 1492, ainsi que le premier tour du monde de Magellan en 1522, ont détruit le dogme dominant d'une terre plate en 1512. Copernic a placé le soleil (pas la terre) au centre de l'univers visible. Ces découvertes ont ébranlé les fondements de la théologie ainsi que de nombreuses hypothèses sur la vie humaine.

En 1494, Charles VIII de France envahit l'Italie, provoquant des bouleversements dans tout le pays. La même année, la rivalité politique à Florence a conduit à la montée et à la chute du religieux fanatique Girolamo Savonarola (1494-8), qui a gravement ébranlé l'art florentin dans le processus. (Pendant ce temps, il est dit que Botticelli s'est en fait engagé à renoncer à l'art.)

En 1517, Martin Luther publia ses 95 thèses à Wittenberg, déclenchant la Réforme et plongeant une grande partie de l'Europe dans le chaos. Cela a conduit à un certain nombre de conflits militaires entre Charles V (dirigeant d'Espagne, d'Autriche, des Pays-Bas et du sud de l'Italie), François Ier de France, Henri VIII en Angleterre et les papes à Rome. L'ère s'est terminée avec le sac de Rome en 1527.

Avec une telle incertitude en général, il semble incroyable que la Haute Renaissance ait pu avoir lieu. Pourtant, il l'a fait. En effet, les années entre 1490 et le sac de Rome en 1527 ont vu une énorme effusion en Italie de tous les arts visuels. Cet âge d'or - peut-être l'ère la plus créative de l'histoire de l'art - a établi les normes de la peinture et de la sculpture d'art pour les siècles à venir.

Rome : le centre de la Haute Renaissance

Rome a maintenant remplacé Florence en tant que point focal de la première Renaissance, notamment à cause de l'ambition papale de rendre Rome encore plus grande que son rival florentin. Le patronage exorbitant du pape Jules II (1503-13) et du pape Léon X (1513-21) a obtenu et retenu les services de peintres comme Raphaël, Léonard et Michel-Ange, qui ont tous créé des huiles et des peintures murales d'une nouveauté surprenante, ainsi que des architectes comme Donato Bramante, figure clé du réaménagement de la basilique Saint-Pierre. Poussée par des papes qui souhaitaient utiliser l'art pour renforcer la gloire de Rome, la Haute Renaissance a marqué l'apogée du retour aux valeurs humanistes classiques basées sur l'art et la culture de la Grèce antique. L'Église étant le principal mécène, l'art chrétien reste le genre majeur.

Pour les chefs de la Haute Renaissance florentine une fois Léonard et Michel-Ange partis : voir Fra Bartolommeo (1472-1517), chef 1508-12 remplacé par Andrea del Sarto (1486-1530).

Pendant ce temps à Venise. Giovanni Bellini (1430-1516) était occupé à développer une école séparée de peinture vénitienne, basée sur la primauté de colorier plus de disegno. Ses élèves comprenaient l'énigmatique de courte durée Giorgione (1477-1510), Sebastiano del Piombo (1485-1547) et Titian (c.1477-1576), sans doute le principal coloriste de la Renaissance italienne, ainsi que des maîtres provinciaux comme Lorenzo Lotto (1480-1556). Voir notamment Giorgione Tempête (1508, Galerie de l'Académie de Venise) et Vénus endormie (1510, Gemaldegalerie, Dresde) Pour plus d'informations sur le portrait, voir : Venetian Portrait Painting (c.1400-1600).

Ailleurs en Italie, les valeurs de la Haute Renaissance ont également influencé des centres provinciaux comme l'école de peinture de Parme et la dernière école bolonaise (années 1580).

Remarque : De nombreux travaux pionniers sur l'attribution des peintures pendant la Renaissance italienne ont été réalisés par l'érudit en art Bernard Berenson (1865-1959), qui a vécu la majeure partie de sa vie près de Florence, et a publié un certain nombre d'ouvrages très influents sur la Renaissance italienne. .

Esthétique Haute Renaissance

Depuis que Giotto a abandonné l'art hiératique médiéval au profit de la représentation de la nature, ses successeurs du quattrocento réussi à trouver de plus en plus de moyens d'améliorer leur représentation du monde réel. Techniques impliquant une perspective linéaire et des points de fuite, des raccourcis, des dispositifs illusionnistes, clair-obscur et sfumato ombrage - toutes ces méthodes ont été maîtrisées pendant la Haute Renaissance. Pendant le cinquecento, l'adoption quasi universelle de la peinture à l'huile a éliminé les couleurs mates du XVe siècle et a permis de transmettre la distance uniquement par la gradation des tons - un processus connu sous le nom de perspective aérienne ou atmosphérique.

Même ainsi, malgré le réalisme croissant atteint dans leur art, les artistes de la Haute Renaissance aspiraient à la beauté et à l'harmonie. Suite que le réalisme. Leurs peintures étaient peut-être basées sur la nature, mais ils n'avaient aucun intérêt à la simple reproduction. Au lieu de cela, ils ont cherché la vérité ultime dans une étude du monde classique de la culture grecque et romaine. C'est ce qui a fourni aux artistes un idéal de perfection : leur esthétique. Ainsi, la philosophie grecque a fourni le secret du type humain parfait avec ses proportions, sa structure musculaire, son visage ovale, son front triangulaire, son nez droit et son équilibre - avec le poids sur une hanche - qui peuvent tous être vus dans les peintures de Raphaël, et la sculpture immensément expressive de Michel-Ange. Ce dernier en particulier n'a jamais craint de contourner les règles réalistes de l'anatomie et des proportions, afin d'augmenter son pouvoir d'expression.

C'est à travers la philosophie grecque classique que les théoriciens et les artistes de la Renaissance ont développé leur idée de « l'humanisme ». L'humanisme était une façon de penser qui attachait plus d'importance à l'Homme et moins d'importance à Dieu. Il imprégnait l'art de la Renaissance de sa saveur unique, comme en témoignent des œuvres comme celle de Léonard de Vinci. Mona Lisa (peinture non religieuse), Michel-Ange David - une statue plus humaine que religieuse - et la cool fresque séculaire de Raphaël École d'Athènes. Même lorsque les artistes de la Haute Renaissance peignaient des peintures religieuses ou sculptaient une scène religieuse, très souvent ils ne glorifient pas Dieu mais l'Homme. Ils exaltaient les idéaux de l'esthétique classique. Paradoxalement, quelques œuvres mythologiques - comme Jupiter et Io (1533) du Corrège - faites le contraire : ils ne glorifient pas les hommes mais les Dieux !

Note : Aux yeux d'au moins un expert européen de la Renaissance - Jacob Burckhardt (1818-97), professeur d'histoire de l'art à l'Université de Bâle et auteur de "La civilisation de la Renaissance en Italie" (Die Kultur der Renaissance in Italien), publié en 1860 , les cinquante premières années du XVIe siècle représentent l'âge d'or de l'art de la Renaissance.

Pour plus de détails sur les collections européennes de quattrocento et cinquecento Peinture italienne, voir : Musées d'art en Europe.

Architecture de la Haute Renaissance

La redécouverte de l'architecture grecque et plus tard romaine, et son rajeunissement par des architectes italiens de la Renaissance tels que Filippo Brunelleschi (1377-1446), Leon Battista Alberti (1404-72), Guiliano da Sangallo (1443-1516), Donato Bramante (1444- 1514), Raphaël (1483-1520), Michel-Ange (1475-1564), Baldessare Peruzzi (1481-1536), Michele Sanmicheli (1484-1559), Jacopo Sansovino (1486-1570), Giulio Romano (1499-1546), Andrea Palladio (1508-1580) et Vincenzo Scamozzi (1548-1616) ont conduit à la réintroduction des valeurs classiques dans presque toutes les conceptions de bâtiments de l'époque. Des ordres architecturaux grecs ont été découverts, ainsi que des proportions de construction idéales, tandis que des colonnes doriques et corinthiennes ont été incorporées dans une variété de structures religieuses et laïques. Des coupoles Renaissance ont commencé à apparaître, couronnant les sommets des églises et des palais.

L'architecture de la Haute Renaissance est le mieux illustrée par les œuvres de Donato Bramante, notamment la conception initiale du dôme de la nouvelle basilique Saint-Pierre de Rome, ainsi que le Tempietto (1502) à S. Pietro in Montorio, un dôme central qui rappelle l'architecture des temples grecs. Il a également été étroitement impliqué avec le pape Jules II dans la planification du remplacement de l'ancien Saint-Pierre du IVe siècle par une nouvelle basilique de taille gigantesque.

Une partie de l'héritage durable de l'art de la Renaissance italienne est le Beaux Arts style d'architecture. Un somptueux mélange de styles Renaissance et baroque, les dessins Beaux-Arts ont émergé au cours du 19e siècle et ont été défendus par les diplômés du Ecole des Beaux-Arts, à Paris. En Amérique, le style a été introduit par Richard Morris Hunt (1827-95) et Cass Gilbert (1859-1934).


Classicisme dans l'art


Les Trois Grâces (1813-16)
Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Exemple de sculpture néoclassique
par Antonio Canova.

Qu'est-ce que le classicisme ? Qu'est-ce que le néoclassicisme ?

Dans les arts visuels, le terme « classicisme » (adjectif : classiciste) fait généralement référence à l'imitation de l'art de l'antiquité classique (c.1000 avant notre ère - 450 après J. "Art égéen" (vers 2500-1100 avant notre ère) et "Art étrusque" (vers 700-100 avant notre ère). Ainsi, par exemple, toute architecture, peinture ou sculpture produite au Moyen Âge ou après, qui a été inspirée par l'art de la Grèce antique ou de la Rome antique, est un exemple de classicisme (ou peut être considérée comme classiciste).

Plutôt confus, « classicisme » est souvent utilisé de manière interchangeable avec le mot « néoclassicisme ». Ainsi, par exemple, le style architectural du Capitole des États-Unis peut être décrit comme « classique » ou « néoclassique » de la même manière, la statue de David de Michel-Ange peut être décrite comme un exemple de « classicisme » ou de « néoclassicisme ».

Cela dit, le terme "néoclassicisme" est le plus souvent utilisé pour décrire un renouveau spécifique de l'art grec et romain, qui s'est produit en Europe et en Amérique entre 1750 et 1860 environ. Ainsi, alors que le Capitole américain (construit de 1793 à 1829) est correctement décrit comme "néoclassique", la statue de Michel-Ange est probablement mieux décrite comme un exemple de "classicisme".

REMARQUE : la sculpture et la poterie grecques, ainsi que la peinture grecque, sont généralement reconnues comme supérieures à celles des Romains. L'architecture grecque est également le fondement de l'architecture romaine, bien que les ingénieurs romains aient fait d'importants progrès sur les matériaux et les méthodes grecs. Cependant, une forte proportion de sculptures grecques et d'autres œuvres ne nous sont connues que par des copies de fabrication romaine, tandis que les bâtiments romains ont également largement survécu aux structures grecques. Connaître l'art romain, c'est donc en savoir beaucoup sur l'art grec.

Caractéristiques du style classique

Bien qu'il varie d'un genre à l'autre, l'art classique est réputé pour son harmonie, son équilibre et son sens des proportions. Dans sa peinture et sa sculpture, il emploie des figures et des formes idéalisées et traite ses sujets de manière non anecdotique et émotionnellement neutre. La couleur est toujours subordonnée à la ligne et à la composition. Il est généralement discret - la manipulation est impersonnelle jusqu'à l'anonymat - et il cherche à obtenir un effet harmonieux et contemplatif. L'architecture classique est étroitement régulée par des proportions mathématiques. Les concepteurs grecs, par exemple, ont utilisé des calculs mathématiques exacts pour fixer la hauteur, la largeur et d'autres caractéristiques des éléments architecturaux. De plus, ces proportions seraient légèrement modifiées - certains éléments (colonnes, chapiteaux, plate-forme de base), seraient effilés par exemple - pour créer l'effet visuel optimal, un peu comme si le bâtiment était une sculpture. Les plus grands représentants du classicisme sont les suivants : (1) Architecture: Donato Bramante et Andrea Palladio (2) Peinture: Raphaël, Jacques-Louis David et J.A.D. Ingres (3) Sculpture: Michel-Ange et Antonio Canova.

Qu'est-ce que l'histoire du classicisme ?

Classicisme médiéval (800-1400)

L'art médiéval a connu plusieurs vagues de classicisme. La première est connue sous le nom de "Renaissance carolingienne" (vers 750-900), qui a commencé sous le règne du roi Charlemagne Ier (règne en 768 et 150814). Le classicisme culturel de l'époque carolingienne a donné naissance à l'architecture de la chapelle Palatine d'Aix-la-Chapelle (792-805) qui s'inspire du style octogonal de l'église San Vitale de Ravenne du VIe siècle, ainsi qu'à de nombreux manuscrits enluminés latins. , incluant le Évangiles de Lorsch, les Psautier d'Utrecht, et le Évangéliste de Godescalc. Le second renouveau du classicisme - l'ère de l'art ottonien (vers 900-1050) - s'épanouit sous l'empire ottonien sous Otton le Grand, couronné empereur romain germanique à Rome en 962. Il est notamment influencé par son héritage carolingien, et un intérêt renouvelé pour l'art du nord de l'Italie, ainsi qu'un plus grand contact avec l'art byzantin de l'Empire romain d'Orient. Jusqu'en 1050, la plupart des œuvres d'art classiques étaient produites à l'intérieur des monastères chrétiens. Au cours des trois cents ans qui suivirent, l'Église chrétienne consacra l'essentiel de son attention à une série de programmes de construction de cathédrales et d'églises. Elle a commencé par adopter le style de l'architecture romane (vers 1000-1150), qui réutilisait les arcs en plein cintre, les massifs muraux et les voûtes en berceau des Romains, mais nombre d'éléments architecturaux de l'antiquité classique furent rapidement abandonnés, une tendance qui fut accéléré au cours de l'ère suivante de l'architecture gothique (c.1120-1400).

Classicisme de la Renaissance (1400-1600)

Sans surprise, l'Italie - cœur de l'Empire romain et hôte de nombreuses colonies grecques avec leurs traditions d'art hellénistique - a été témoin du plus grand de tous les renouveaux classiques en Europe, un processus qui s'est d'abord installé à Florence au début du quattrocento (XVe siècle) . Connue sous le nom de Renaissance italienne - ou peut-être plus précisément de Renaissance florentine - elle a été initialement dirigée par l'architecte Filippo Brunelleschi (1377�), le théoricien de l'art Leon Battista Alberti (1404�), le sculpteur Donatello (1386�) et le peintre Masaccio (1401�). Brunelleschi s'intéressait particulièrement aux proportions mathématiques des édifices romains antiques, qu'il vénérait. Alberti, qui pensait que classicisme était synonyme de beauté, était célèbre pour ses traités De Statut et Della Pittura (1435) et De Re Aedificatoria (1452), et cherche à rendre les principes de la perspective accessibles à un large cercle d'artistes désireux d'apprendre cette nouvelle technique. Donatello a utilisé les mêmes principes pour imiter les statues grecques, tandis que Masaccio a inclus des éléments classiques dans le contenu de ses peintures, y compris sa propre technique de perspective. Le classicisme a continué à dominer l'art de la Renaissance à Rome - connu sous le nom de Haute Renaissance - incarné par les proportions classiques Vierge Sixtine (1513-14) par Raphaël (1483&# 1501520) et L'homme de Vitruve (1492), une étude de Léonard de Vinci sur les proportions du corps humain (mâle) tel que décrit par l'architecte romain Vitruve (c.78-10 avant notre ère). L'art de la Renaissance à Venise a également été fortement influencé par l'Antiquité classique, en raison des liens étroits de la ville avec Constantinople (Byzance), l'ancien siège des empereurs romains d'Orient et toujours un centre de la culture grecque antique. L'art de la mosaïque de style byzantin était une spécialité particulière. L'architecture de la Renaissance vénitienne a également été inspirée par des exemples classiques - voir, en particulier, l'architecte classiciste Andrea Palladio (1508-1580), dont les conceptions étaient basées sur les valeurs de l'architecture classique, telles que décrites par Vitruve et d'autres.

Les principes fondateurs classiques de la Renaissance italienne se sont propagés vers l'ouest en France et en Espagne, et vers le nord en Allemagne et aux Pays-Bas. Et avec l'apparition de livres imprimés relativement bon marché, l'étude de la littérature classique s'est répandue jusqu'à ce que, à la fin du XVIe siècle, elle devienne la norme dans la plupart des programmes universitaires.

Classicisme baroque (1600-1700)

L'harmonie et les proportions équilibrées de l'art classique de la Renaissance se sont finalement avérées insuffisantes pour les impulsions créatives du début du XVIIe siècle, et il a été remplacé par l'art baroque, un idiome beaucoup plus complexe et dramatique, dont les plus grands maîtres comprenaient Caravage (1573-1610) et Andrea Pozzo (1642-1709). Mais un ou deux courants de classicisme subsistaient. Annibale Carracci et son école bolonaise, par exemple, ont été particulièrement influents - veuillez consulter : Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle - tout comme Nicolas Poussin (1594-1665) et Claude Lorrain (1600-82). En effet, c'est à la fin du XVIIe siècle que les traditions classiques sont devenues une caractéristique permanente de l'art occidental, grâce à l'ouverture d'une série d'"académies" officielles, avec des programmes conçus pour éduquer les étudiants aux principes classiques promus par la Renaissance italienne.

Néoclassicisme (vers 1780-1850)

Au début et au milieu du XVIIIe siècle, l'art baroque a cédé la place au rococo décadent et fantaisiste. Plus tard, vers 1780, ce style frivole a été remplacé par le prochain grand renouveau de l'art classique, connu sous le nom de néoclassicisme. Soutenu par le savant Johann Winckelmann (1717-68), ce nouveau style est illustré par la peinture néoclassique de Jacques-Louis David (1748-1825) les tableaux de son disciple J.A.D. Ingres (1780-1867) la sculpture néoclassique d'Antonio Canova (1757-1822) et l'architecture de designers comme Jacques Soufflot (1713-80), Thomas Jefferson (1743-1826) et d'autres.

Classicisme 19e/20e siècle

Le classicisme a défendu les réalisations de la Grèce et de la Rome antiques - l'idéal classique - en tant que norme par rapport à laquelle la société contemporaine pouvait être jugée. Commençant comme un mouvement savant et monastique élitiste, il s'est progressivement appliqué à tous les aspects de la vie, y compris les arts visuels et l'architecture. Cependant, à partir du XVIIIe siècle, les découvertes de la science moderne ainsi que les développements de la théorie sociale et politique, ont lentement commencé à révéler à quel point les Grecs et les Romains avaient ne pas connu. En conséquence - à l'exception du style classique de l'art académique, tel qu'approuvé par l'Académie française et la Confrérie préraphaélite (1848-1855) - le classicisme n'a jamais été aussi répandu dans l'art et dans d'autres domaines, au cours des 19e et 20e siècles, comme avant.

Pour la dernière impulsion classiciste, voir le renouveau classique dans l'art moderne (c.1900-30). Ce retour à l'imagerie de style classique comprend des contributions de Picasso (1881-1973) - voir aussi Tableaux néoclassiques de Picasso - ainsi que des artistes aussi divers qu'André Derain (1880-1954), Matisse (1869-1954), Fernand Léger ( 1881-1955), Giorgio de Chirico (1888-1978) et Giorgio Morandi (1890-1964), pour n'en citer que quelques-uns.

NOTE : Toutes les périodes du classicisme partagent une certaine révérence pour les valeurs artistiques de l'antiquité, bien qu'elles varient considérablement dans leur interprétation de ces valeurs, selon l'époque ainsi que le genre (architecture, peinture, sculpture). De plus, certains classiques modernes ont moins d'admiration pour le formes matérielles de l'antique, et bien plus d'admiration pour son essence. Le cubisme, par exemple, est considéré comme un idiome classiciste en raison de son insistance sur la structure et la forme, sa base dans la géométrie et son effet recherché, qui est typiquement harmonieux et contemplatif.

Exemples célèbres d'art classique

Serment des Horaces (1784) de Jacques-Louis David.
Louvre, Paris.

Mort de Marat (1793) de Jacques-Louis David.
Louvre, Paris.

Les Grandes Baigneuses (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905) par Cézanne.
National Gallery, London Museum of Art, Philadelphia Barnes Foundation, Merion, PA.

deux nus (1906) de Picasso.
Musée d'Art Moderne, New York.

L'incertitude du poète (1913) de De Chirico.
Collection Tate, Londres.

Chanson d'amour (1914) de De Chirico.
Musée d'Art Moderne, New York.

Le gentleman ivre (1916) de Carlo Carra.
Collection privée.

Grande Baigneuse (1921) de Picasso.
Musée de l'Orangerie, Paris.

La mécanique (1920) de Fernand Léger.
Musée des beaux-arts du Canada.

Trois Femmes (Le Grand Déjeuner) (1921) de Fernand Léger.
Musée d'Art Moderne, New York.

Nus sur fond rouge (1923) de Fernand Léger.
Kunstmuseum, Bâle.

Deux soeurs (1935) de Fernand Léger.
Gemaldegalerie SMPK, Berlin.

Pierre le Grand "Le Cavalier de Bronze" (1766-78) Saint-Pétersbourg.
Par Etienne-Maurice Falconet

Portrait de Voltaire en toge (1778) Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Par Jean-Antoine Houdon

Apollon se couronnant (1781) Musée J Paul Getty, Los Angeles.
Cupidon et Psyché (1786-93) Marbre, Louvre, Paris.
Par Antonio Canova

Jason avec la Toison d'Or (1802-3) Musée Thorvaldsen, Copenhague.
Par Bertel Thorvaldsen

• Architecture de la Renaissance (vers 1400-1600)
Histoire, caractéristiques, bâtiments célèbres.

• Architecture néoclassique (1640-1850)
Capitole des États-Unis, Washington DC Le Panthéon, Paris.

• Statue de la Liberté (1870-86)
Se dresse sur un piédestal classique, conçu par Richard Morris Hunt.


Expulsion du jardin d'Eden (1426-27)

Cette fresque représente un Adam et Eve nus alors qu'ils sont expulsés du jardin d'Eden. Ils sortent à travers une arche d'où émanent des lignes noires, représentant la voix en colère de Dieu, avec un ange vêtu de rouge tenant une épée noire planant au-dessus pour les guider sur leur chemin. Adam enfouit son visage dans ses mains, son langage corporel et son expression faciale traduisant une profonde angoisse. Le visage d'Eve est bouche bée et frappée, ses mains tenues dans une pose de Vénus Pudica pour couvrir ses seins et son pubis comme si elle avait honte. L'arrière-plan est nu, uniquement de la terre et une formation rocheuse singulière, évoquant le dur sort qui attend le couple radié. La composition est remarquablement élégante, soulignant le bannissement du couple avec une émotion accrue. La ligne séparant la terre et le ciel bleu s'étend en diagonale de gauche à droite pour mettre en évidence le mouvement vers l'avant de la paire, alors que leurs pieds opposés se reflètent le long du chemin. La nudité des deux personnages, aux proportions classiques, n'est pas sensuelle mais suggère la dureté de leur situation, dénuée de la faveur de Dieu.

Cette scène fait partie d'un cycle de fresques de scènes bibliques de la chapelle Brancacci peintes par Masaccio, ainsi que par Masolino et d'autres artistes. En représentant les deux nus, l'artiste s'est éloigné du récit biblique dans lequel ils portaient des feuilles de figuier et a également, avec audace, créé les premiers nus en peinture depuis l'époque romaine. Il a également ajouté l'arc et réduit les multiples chérubins mentionnés dans le récit biblique pour se concentrer sur un seul ange.

La scène se trouve à l'entrée gauche de la salle de la chapelle, devenant la première image rencontrée par les visiteurs, les lançant dans le célèbre récit, alors qu'Adam et Eve sortent de l'arc qui est une extension peinte d'une colonne architecturale. L'inclusion par l'artiste de l'architecture dans l'espace pictural n'était pas sa seule innovation radicale. Son utilisation de la perspective linéaire, clair-obscur (l'utilisation stratégique de l'ombre et de la lumière pour créer de la profondeur) et une approche figurative réaliste étaient en opposition directe avec le style iconographique plat standard de présentation d'histoires et de personnages religieux. Le résultat est qu'Adam et Eve deviennent humanisés, plutôt que relégués sur le piédestal de dévotion en tant que symboles sacrés. Le couple est pleinement incarné et expressif, habitant l'espace réel, les épaules courbées et les pas alourdis par l'énormité de leur expulsion. Le critique d'art Clyde Haberman a noté que Masaccio "a rompu avec les traditions médiévales en donnant un réalisme brut aux formes et aux expressions humaines. Personne ne peut douter de l'angoisse de son Adam et Eve alors qu'ils sont expulsés du paradis."

Les artistes suivants envisageaient leur propre travail dans le cadre de ce nouveau paradigme esthétique de la vision de Masaccio. Michel-Ange et Léonard de Vinci ont tous deux beaucoup visité la chapelle pour étudier et dessiner les figures humaines de Masaccio, que da Vinci a qualifiées de "parfaites". Des artistes ultérieurs comme le sculpteur Henry Moore ont également étudié ses œuvres.

La Sainte Trinité (1426-27)

Cette fresque représente la Sainte Trinité. Le Christ crucifié est la figure centrale avec Dieu le Père debout derrière lui. Une petite colombe blanche au-dessus de la tête du Christ représente le Saint-Esprit. Dans la niche architecturale qui contient les trois, on peut également voir Marie, vêtue de bleu à gauche tandis que Jean le disciple se tient à droite, tous deux regardant le Christ avec dévotion. De part et d'autre des colonnes, les commanditaires non identifiés de l'œuvre commandée s'agenouillent de profil. En dessous d'eux, un squelette repose dans une tombe portant l'inscription : « J'étais autrefois ce que vous êtes et ce que je suis, vous le serez aussi », représentant un memento mori, ou un objet qui sert d'avertissement ou de rappel de l'inévitabilité de la mort. .

Habituée du travail de Masaccio, cette pièce a contribué à révolutionner la peinture avec son utilisation d'une perspective linéaire à un point, créant l'illusion d'un espace tridimensionnel. L'artiste a intentionnellement aligné l'observation de la fresque avec l'architecture existante de l'église pour améliorer le trompe l'oeil effet. Pour créer l'œuvre, il a utilisé un cadre de grille gravé dans la surface et a consulté Brunelleschi sur la perspective linéaire, car la perspective même des clous de la croix montre son approche rigoureuse. La conception utilisait un arc de triomphe romain et une voûte en berceau pour créer un espace rationnel mais divin que les figures saintes grandeur nature occupent, tandis que les patrons et le squelette, placés à l'extérieur de la voûte en berceau, occupent l'espace du spectateur. Les visiteurs de l'époque étaient étonnés de la capacité de l'artiste à créer une œuvre si réaliste que beaucoup pensaient qu'ils regardaient dans une véritable chapelle. Une expérience viscérale du travail a été stimulée, créant une expérience de contemplation en ce qui concerne la mortalité et l'intemporalité.

Les personnages grandeur nature présentent également un effet remarquablement naturaliste de volume, de mouvement et d'expression émotionnelle profonde. Comme Mary McCarthy, historienne de l'art, l'a écrit : « La fresque, avec sa terrible logique, est comme une preuve en philosophie ou en mathématiques, Dieu le Père, avec ses yeux implacables, étant l'axiome d'où tout le reste découle irrévocablement. » En même temps, Marie, au visage solennel, crée un pont entre le divin et l'humain en regardant vers le spectateur et en faisant des gestes vers son fils, ouvrant ainsi un chemin dans le domaine sacré, à travers la contemplation. Comme Vasari l'a écrit dans son La vie des artistes (1550) à propos de l'œuvre de Masaccio, « Tout ce qui a été fait avant lui peut être qualifié d'artificiel, alors qu'il produit une œuvre vivante, réaliste et naturelle.

Dôme de Cattedrale di Santa Maria del Fiore (Cathédrale de Florence) (1420-36)

Artiste : Filippo Brunelleschi

Cette photographie montre le célèbre dôme octogonal de Brunelleschi couronnant la cathédrale de Florence. Sa pierre rouge, emblématique de l'amour florentin de la pierre et du rouge Médicis, domine l'horizon avec l'une des vues les plus reconnues et emblématiques au monde. Composé de plus de quatre millions de briques, il reste le plus grand dôme de maçonnerie au monde.

Le génie architectural de Brunelleschi peut être vu dans le sens de la flottabilité de la structure avec ses nervures blanches soulignant l'ascenseur vertical et la courbure abrupte se rétrécissant au sommet. Brunelleschi a également conçu la lanterne blanche à son extrémité, bien que son ami, l'architecte Michelozzi, l'ait achevée en 1461, quinze ans après la mort de Brunelleschi. Le dôme est devenu un symbole visuel de "La Nouvelle Athènes", comme Florence s'est surnommée, car il évoquait un sens de la retenue et des proportions classiques, faisant écho à la forme octogonale de la cathédrale ci-dessous et l'attirant vers le ciel.

Le dôme était un chef-d'œuvre révolutionnaire, car l'architecte a renoncé à la fois à l'échafaudage interne et aux supports externes (comme les contreforts) qui étaient auparavant jugés nécessaires. Au lieu de cela, il a créé un dôme à l'intérieur d'un dôme, inventant ainsi un nouveau système de support, où les briques reposaient dans un arc inversé de motif à chevrons dirigé le poids vers l'extérieur plutôt que vers le bas. Il a également fabriqué la technologie dont il avait besoin pour matérialiser son projet, dont le premier treuil mécanique et, plus tard, le château, ou grue horizontale. D'autres innovations structurelles comprenaient l'utilisation d'un arc caténaire, un type d'arc brisé, pour le support et de chaînes internes en bois, en pierre et en fer, formées en octogonales, pour fonctionner comme des cerceaux de tonneau pour maintenir le dôme ensemble.

Ce travail a été informé par l'étude minutieuse de Brunelleschi du Panthéon (113-125) et d'autres bâtiments romains antiques. Pourtant, à sa manière habituelle, l'architecte a gardé ses découvertes pour lui, travaillant sans notes ni plans. Comme il le dira plus tard, lorsqu'il a déposé et obtenu le premier brevet moderne pour un véhicule de transport par eau, « nous ne devons pas montrer à tout le monde les secrets des eaux qui coulent dans les océans et les rivières, ou les dispositifs qui fonctionnent sur ces eaux. Que soit convoqué un conseil d'experts et de maîtres en art mécanique pour délibérer sur ce qui est nécessaire pour composer et construire ces œuvres. En raison de sa mode de travail énigmatique, de nombreux critiques ont d'abord jugé ses créations impossibles. Il devait leur prouver qu'ils avaient tort. Comme l'a écrit l'historien Paulo Galluzi à propos de la cathédrale : « C'est l'un des bâtiments les plus beaux et les plus audacieux jamais construits sur le plan technique. Il unit la technologie et l'esthétique d'une manière étonnamment élégante. Il symbolise parfaitement l'union de la science et de l'art.

Tous les architectes de la génération suivante ont été influencés par l'œuvre de Brunelleschi, et Léonard de Vinci était fasciné à la fois par son architecture et par la technologie qu'il a inventée.


L'art carolingien, une introduction

​Charlemagne, roi des Francs et plus tard empereur du Saint-Empire, est à l'origine d'un renouveau culturel connu sous le nom de Renaissance carolingienne. Ce renouveau a utilisé l'empire chrétien de Constantin comme modèle, qui a prospéré entre 306 et 337. Constantin a été le premier empereur romain à se convertir au christianisme et a laissé un héritage impressionnant de force militaire et de mécénat artistique.

Charlemagne se considérait comme le nouveau Constantin et inspira ce renouveau en écrivant ses Admonitio generalis (789) et Epistola de litteris colendis (c.794-797). Dans l'Admonitio generalis, Charlemagne légifère la réforme de l'église, qui, selon lui, rendra ses sujets plus moraux et dans l'Epistola de litteris colendis, une lettre à l'abbé Baugulf de Fulda, il expose ses intentions de réforme culturelle. Plus important encore, il a invité les plus grands savants de toute l'Europe à venir au tribunal et à donner des conseils pour son renouveau de la politique, de l'église, de l'art et de la littérature.

Odon de Metz, Intérieur de la Chapelle Palatine, Aix-la-Chapelle, 805 (photo : Holly Hayes)

L'art carolingien survit dans les manuscrits, la sculpture, l'architecture et d'autres objets religieux produits au cours de la période 780-900. Ces artistes travaillaient exclusivement pour l'empereur, les membres de sa cour et les évêques et abbés associés à la cour. Géographiquement, le renouveau s'est étendu à la France, à la Suisse, à l'Allemagne et à l'Autriche d'aujourd'hui.

Charlemagne a chargé l'architecte Odon de Metz de construire un palais et une chapelle à Aix-la-Chapelle, en Allemagne. La chapelle a été consacrée en 805 et est connue sous le nom de Chapelle Palatine. Cet espace a servi de siège au pouvoir de Charlemagne et abrite encore aujourd'hui son trône.

La chapelle Palatine est octogonale avec un dôme, rappelant la forme de San Vitale à Ravenne, en Italie (achevée en 548), mais a été construite avec des voûtes en berceau et en arête, qui sont des méthodes de construction typiquement romaines tardives. La chapelle est peut-être le meilleur exemple survivant de l'architecture carolingienne et a probablement influencé la conception des chapelles des palais européens ultérieurs.

Charlemagne avait son propre scriptorium, ou centre de copie et d'enluminure des manuscrits, à Aix-la-Chapelle. Sous la direction d'Alcuin d'York, ce scriptorium a produit une nouvelle écriture connue sous le nom de minuscule carolingienne. Avant ce développement, les styles d'écriture ou les scripts en Europe étaient localisés et difficiles à lire. Un livre écrit dans une partie de l'Europe ne pouvait pas être facilement lu dans une autre, même lorsque le scribe et le lecteur parlaient couramment le latin. La connaissance de la minuscule diffusion carolingienne d'Aix-la-Chapelle a été universellement adoptée, permettant une communication écrite plus claire au sein de l'empire de Charlemagne. La minuscule carolingienne a été l'écriture la plus utilisée en Europe pendant environ 400 ans.

L'art figuratif de cette période est facile à reconnaître. Contrairement au travail plat et bidimensionnel des artistes paléochrétiens et byzantins, les artistes carolingiens ont cherché à restaurer la troisième dimension. Ils ont utilisé des dessins classiques comme modèles et ont essayé de créer des illusions d'espace plus convaincantes.

Saint-Marc de la Lectionnaire évangélique de Godescalc, folio 1v., ch. 781-83

Ce développement est évident en traçant des portraits d'auteurs dans des manuscrits enluminés. Le lectionnaire évangélique de Godescalc, commandé par Charlemagne et sa femme Hildegarde, a été réalisé vers 781-83 pendant son règne de roi des Francs et avant le début de la Renaissance carolingienne. Dans le portrait de Saint-Marc, l'artiste emploie des conventions artistiques typiques de l'époque byzantine. Le visage est fortement modelé en brun, les plis de la draperie tombent en motifs stylisés et il y a peu ou pas d'ombrage. La position assise de l'évangéliste serait difficile à reproduire dans la vraie vie, car il y a des incohérences spatiales. La jambe gauche est montrée de profil et l'autre jambe est vue de face. Ce portrait d'auteur est typique de son époque.

Les Evangiles d'Ebbo ont été faites c. 816-35 à l'abbaye bénédictine d'Hautvillers pour Ebbo, archevêque de Reims. Le portrait d'auteur de Saint-Marc est caractéristique de l'art carolingien et de la Renaissance carolingienne. L'artiste a utilisé des lignes frénétiques distinctives pour créer l'illusion de la forme et de la position du corps de l'évangéliste. Le repose-pieds se trouve à un angle irréaliste maladroit, mais il y a de nombreuses tentatives par l'artiste pour montrer le corps comme un objet tridimensionnel dans l'espace. La jambe droite est repliée sous la chaise et l'artiste essaie de montrer à son spectateur, par l'utilisation de lignes courbes et d'ombrages, que la jambe a une forme. Il y a ombrage et cohérence de la perspective. L'évangéliste assis sur la chaise prend une pose crédible.

Saint Marc des évangiles d'Ebbo, folio 18v., ch. 816-35

Charlemagne, comme Constantin avant lui, a laissé un héritage presque mythique. La Renaissance carolingienne a marqué le dernier grand effort pour faire revivre la culture classique avant la fin du Moyen Âge. L'empire de Charlemagne fut dirigé par ses successeurs jusqu'à la fin du IXe siècle. Au début du Xe siècle, les Ottoniens accèdent au pouvoir et épousent différents idéaux artistiques.


Art chrétien (vers 150-2000) Histoire et caractéristiques


Extase de sainte Thérèse (1647-52)
Église de Santa Maria della Vittoria.
Par le Bernin. La plus grande sculpture
de la Contre-Réforme catholique.


Mosaïques chrétiennes byzantines médiévales
dans la cathédrale Saint-Marc de Venise.

Depuis ses débuts au cours du premier siècle de l'Empire romain, le christianisme s'est répandu dans le monde pour devenir la principale religion, le système de valeurs et l'agenda social de l'humanité : au moins jusqu'au 20e siècle. Dirigée d'abord par le Christ et les Apôtres, elle a progressivement donné naissance à sa propre organisation hiérarchique, l'Église chrétienne, qui est devenue au fil du temps le plus grand et le plus influent mécène des arts. En effet, dès le début, l'Église chrétienne a utilisé de nombreux types d'art afin de se créer une identité, d'accroître son pouvoir et ainsi d'attirer les fidèles. Dans le processus, il a développé sa propre iconographie chrétienne, en s'appuyant fortement sur l'architecture (cathédrales, églises, monastères), la sculpture (statues de la Sainte Famille, ainsi que les prophètes, apôtres, saints), la peinture (retables, fresques d'église), l'art décoratif (vitraux, mosaïques) et manuscrits enluminés (évangiles, psautiers). En fait, au début du XVIe siècle, l'Église commanda tellement d'art biblique - en utilisant l'argent levé par des impôts plus élevés et la « vente » de bénéfices et d'indulgences - qu'elle entraîna des protestations généralisées : des protestations qui se fondirent dans la Réforme, et la division de l'Église en catholiques romains et protestants. On peut quand même dire qu'en Occident du moins, l'histoire de l'art est l'histoire de l'art chrétien.

Contexte historique

En 313, après près de trois siècles d'existence précaire (et une tradition d'art limitée aux bagues, aux sceaux, plus quelques peintures dans les catacombes), le christianisme a finalement été autorisé à exister. Cette année-là, les empereurs romains Constantin et Licinius publièrent le Edit de Milan, qui a légalisé le culte chrétien. Puis, en 380, l'avenir du christianisme est assuré lorsque l'empereur Théodose Ier, dernier empereur romain à régner sur tout l'empire, déclare qu'il appartient désormais à l'empire. seule religion autorisée. Au Ve siècle, sous la pression des attaques barbares, l'Empire romain se scinde en deux moitiés : l'est et l'ouest. La moitié orientale, centrée sur Constantinople, adopta la Église orthodoxe orientale, devenant mondialement célèbre pour sa peinture d'icônes et ses mosaïques, la moitié occidentale est restée à Rome et a continué à suivre l'Église romaine. Cette dernière s'épanouit sous Charlemagne et les Ottoniens, et se reconstitue pleinement avec sa vaste campagne de construction de cathédrales romanes et gothiques (vers 1000-1350). Plus tard, en 1517, le pasteur hollandais Luther a lancé la révolution religieuse, connue sous le nom de Réformation, aboutissant à la formation d'une forme de christianisme plus modeste et moins hiérarchisée, connue sous le nom de protestantisme, depuis quand l'Église romaine est appelée Catholicisme Romain. L'art chrétien englobe à la fois le catholicisme romain et le protestantisme, ainsi que la branche précédente, l'Église orthodoxe orientale.

L'art paléochrétien à Rome (vers 150-450)

Jusqu'à la légalisation du christianisme en 313, l'art chrétien primitif était relativement rare. Il comprenait des fresques sur les murs de certaines des catacombes (sites funéraires à l'extérieur des murs de la ville) et des lieux de rencontre "maison-église" un certain nombre de conceptions architecturales simples pour les structures (martyrium) érigées sur les tombes des martyrs et un certain nombre de sarcophages, sculpté avec divers emblèmes ou reliefs de Jésus, Marie et d'autres figures bibliques. En ces premiers temps, alors que les chrétiens étaient encore persécutés, la plupart de l'art romain chrétien restait (littéralement) partie intégrante d'une culture souterraine. De plus, le christianisme (ainsi que l'imagerie utilisée pour le symboliser ou l'illustrer) évoluait toujours d'une société secrète (dont les images n'étaient intelligibles que pour quelques initiés) à une organisation publique (dont l'imagerie était comprise de tous). Ainsi, pour commencer, la peinture chrétienne et, en particulier, la sculpture paléochrétienne ont utilisé des motifs de l'art romain et grec : l'image du "Christ en majesté", par exemple, dérive à la fois des portraits impériaux romains et des représentations du dieu grec Zeus. Il a fallu des siècles pour que l'iconographie chrétienne se standardise et s'harmonise avec les textes bibliques.

Une fois que le christianisme a été légalement autorisé, son besoin d'art religieux a augmenté rapidement. De nouvelles églises ont été construites comme centres de culte, en utilisant la conception architecturale de la basilique romaine de base (utilisée pour l'administration civique et la justice). Une église basilique typique avait une nef centrale avec une ou plusieurs nefs de chaque côté et une abside semi-circulaire/polygonale à une extrémité, couverte d'un demi-dôme ou d'une voûte en coupe l'abside est devenue le presbytère et contenait une plate-forme surélevée, sur laquelle assis l'évêque, ses prêtres, et aussi l'autel. Des baptistères ont également été conçus et construits pour divers rites, notamment le baptême suivi de l'onction d'huile, car les personnes non baptisées ne pouvaient pas entrer dans la basilique chrétienne. La plupart des décorations intérieures de ces nouveaux édifices religieux ont été réalisées avec des mosaïques, bien que des peintures murales aient également été découvertes. La décoration sculpturale des sarcophages est devenue plus complexe, illustrant souvent de nombreuses scènes de la Bible. Mais presque aucune sculpture en ronde-bosse n'a été réalisée, de peur de créer des idoles de style païen. La sculpture en relief était donc standard, principalement en pierre, bien que la sculpture sur ivoire soit un autre médium populaire. Dans l'ensemble, le IVe siècle a vu plus d'art, l'utilisation de matériaux plus riches et le développement de séquences narratives précises, comme dans les mosaïques de Santa Maria Maggiore à Rome et les églises de Ravenne au Ve siècle. En outre, au cours du Ve siècle, l'imagerie chrétienne a commencé à accorder une plus grande importance à la signification religieuse qu'au réalisme. Ainsi, la perspective réaliste, les proportions, la couleur et la lumière ont été dégradées au profit de conventions et de symboles standardisés, lors de la représentation de figures et d'événements bibliques.

Art byzantin : icônes, mosaïques, architecture (vers 450-1450)

L'art byzantin, c'est-à-dire l'art de l'Église orthodoxe orientale - la forme de christianisme qui a émergé à Constantinople (anciennement Byzance, maintenant appelée Istanbul), siège de l'Empire romain à l'est - a été la première catégorie d'art chrétien à vraiment fleurir . Expression de l'État théocratique qu'il représentait, l'art chrétien byzantin s'est spécialisé dans l'architecture, la mosaïque, la peinture murale et la peinture d'icônes.Les artistes byzantins excellaient également dans la joaillerie, l'orfèvrerie et les ivoires, et produisirent le premier manuscrit enluminé, ou codex.

Au fur et à mesure que le pouvoir de Rome déclinait, celui de Constantinople grandissait. En 535, les armées de Justinien I (482-565), empereur byzantin de 527 à 565, envahissent l'Italie (occupée majoritairement par des barbares) et en 540 conquièrent Ravenne, qui devint le siège du gouvernement byzantin en Italie. De 540 à 600, l'exarque de Ravenne initia un important programme de construction d'églises dans la ville et sa commune portuaire de Classe : elles comprenaient la Basilique de San Vitale et la Basilique de Sant'Apollinare in Classe. La basilique de San Vitale combine un dôme romain, des portes et des tours à gradins, avec une abside polygonale byzantine, ainsi que des chapiteaux byzantins et des briques étroites. Il est mondialement connu pour ses mosaïques byzantines, l'art de la mosaïque le plus spectaculaire et le mieux conservé en dehors de Constantinople. Pour plus de détails, voir : Ravenna Mosaics (c.400-600).

En l'état, l'architecture byzantine a atteint ses formes distinctives au cours de la vie de Justinien, qui a construit quatre grandes églises à Constantinople, notamment : la basilique des Saints Serge et Bacchus (commencée en 526) la basilique de Sainte-Irène (commencée en 532) la basilique de la Apôtres (536-46) - dont la conception a été reproduite dans la cathédrale Saint-Marc de Venise - et la plus grande de toutes, la basilique Sainte-Sophie (1532-37) (convertie en mosquée en 1453, aujourd'hui un musée). Couronnée par un dôme massif dont le poids était porté jusqu'aux piliers d'angle par des sections de pierre triangulaires concaves révolutionnaires, appelées pendentifs, et entièrement décorée de mosaïques d'or et de marbre multicolore, la basilique Sainte-Sophie était le point culminant de l'architecture romaine et une grande inspiration pour les bâtiments ultérieurs. le Moyen-Orient, y compris la mosquée Sultan Ahmed.

L'art de la mosaïque a été la caractéristique la plus importante de l'art byzantin pendant près de mille ans : comparable à la sculpture de la Grèce antique, au panneau peint de la Renaissance du Nord ou au retable de Venise au XVIe siècle. Brillant à la lueur des bougies et parfois décorés de feuilles d'or, ces puzzles en verre exquis étaient régis par des règles strictes quant à la couleur, la taille et la composition, les mosaïques avaient deux objectifs principaux : embellir la maison du Seigneur (et impressionner le spectateur), et à éduquer les fidèles analphabètes dans l'histoire de l'Évangile. Les pièces de mosaïque individuelles (tesselles) étaient souvent délibérément disposés de manière inégale, pour créer un mouvement de lumière et de couleur.

La montée rapide du pouvoir arabe au VIIe siècle et les difficultés économiques consécutives subies par l'Empire byzantin, ont conduit à une réévaluation de la culture arabe et de l'art islamique. Au VIIIe siècle (726-787) et au IXe siècle (814-842), cela aboutit à deux "iconoclasmes", lorsqu'une interdiction a été imposée sur toutes les œuvres d'art figuratives. Cela passa très mal chez les mosaïstes byzantins. Beaucoup ont émigré à Rome qui étaient fermement opposés à l'iconoclasme. D'autres, paradoxalement, sont allés dans les villes arabes où ils ont produit certaines des plus belles mosaïques abstraites jamais réalisées. Voir, par exemple, ceux du Dôme islamique du Rocher (688-91, Jérusalem) et de la Grande Mosquée (715, Damas).

Ravenne reste la meilleure source unique de mosaïques survivantes. Ceux-ci inclus: Christ comme le Bon Pasteur mosaïque (450, Mausolée de Galla Placidia) le Baptême du Christ mosaïque (6e siècle, baptistère des Ariens) la Reine Théodora mosaïque (547, Basilique San Vitale) Le Christ devant Ponce Pilate mosaïque (550, Sant'Apollinare Nuovo, Classe). A Istanbul, voir les mosaïques du sol (400-550) au Palais impérial les mosaïques de la Galerie Sud (c.1260) à Sainte-Sophie et le Dormition de Marie mosaïque (1310, église du monastère de Chora). Ailleurs dans l'Empire byzantin, admirez les mosaïques de Hagios Demetrios (650) à Salonique et les remarquables mosaïques de l'abside du début du XIIe siècle de la cathédrale de Torcello, à Venise.

La peinture murale était nettement moins chère que la mosaïque et était donc réservée aux églises les plus pauvres. Plus tard, cependant, à mesure que les difficultés économiques augmentaient, il devint une alternative plus répandue. Il se caractérisait par des compositions « architecturales » à grande échelle - les muralistes byzantins utilisaient généralement un mur entier comme « toile » - généralement remplie de détails narratifs sans tenir compte des principes de temps et de lieu. Les célèbres peintures murales chrétiennes byzantines existantes comprennent : celles de la chambre funéraire (450-500) à Nicée (Iznik) la Christ pleurant (1164, église de St Panteleimon, Nerezi, Skopje, Macédoine) le Crucifixion (1209, Église de St Joachim et St Anna, Studenica, Serbie).

Compte tenu de sa nature théocratique, il n'est peut-être pas surprenant que la culture byzantine soit plus connue pour ses icônes que pour ses peintures murales. Apparues pour la première fois au début du IVe siècle, ces petites peintures sur panneaux diptyques de dévotion (parfois appelées « icônes de voyage ») représentant Jésus-Christ, la Vierge Marie ou les saints, se sont avérées extrêmement populaires. Écrans d'église (iconostases) en étaient remplis, tout comme les maisons privées. Après la victoire des iconodules pro-figuratifs sur les iconoclastes en 842, la production d'icônes augmente considérablement et les techniques de peinture d'icônes se répandent en Grèce et en Russie, notamment à Kiev, Novgorod et Moscou. Des exemples célèbres de peintures d'icônes byzantines comprennent: La Vierge Hodiguitria (milieu du Ve siècle, Monastère Hodegon, Constantinople : aujourd'hui perdu) Saint Pierre (vers 550, Monastère Sainte-Catherine, Mont Sinaï) Saint Michel (c.950-1000, Tesoro di San Marco, Venise) le Sainte Vierge de Vladimir (c.1131, Galerie Tretiakov, Moscou) Madonna of Don Icon (c.1380, Galerie Tretiakov, Moscou) par Théophane le Grec, fondateur de l'école de peinture d'icônes de Novgorod (c.1100-1500) et Mère de Dieu Hodigitria (1502-3) par Dionysius, l'un des premiers maîtres de l'École de peinture de Moscou (c.1500-1700).

L'illustration du livre chrétien byzantin semble avoir commencé à la fin du Ve siècle, avec le Évangiles de Garima (récemment daté au carbone à 390-660). D'autres illuminations chrétiennes antiques incluent le évangiles de la rabbula (c.586, Bibliothèque Laurentienne, Florence). Les deux manuscrits ont probablement été créés dans un monastère syrien ou de Jérusalem.

Art chrétien médiéval : manuscrits enluminés (450-1200)

Avec la chute de Rome et la désintégration de l'Empire romain, l'Europe occidentale est entrée dans l'âge des ténèbres (400-800), une période d'incertitude politique et de stagnation culturelle. La seule force unificatrice possible était le christianisme, mais avec le saccage de Rome et la pression de l'Église romaine, son influence était limitée. Ce n'est qu'en Irlande, pays coupé du continent européen, que le christianisme a prospéré. En fait, l'art et la culture monastiques irlandais étaient essentiels pour maintenir en vie les idées de l'antiquité classique, ainsi que le message de la Bible. L'art médiéval ancien en Irlande était dominé par la fabrication de manuscrits enluminés, notamment le Cathach de St. Columba (c.610), le Book of Durrow (c.650-80), les Lichfield Gospels (c.730), l'Echternach Évangiles (690-715), les Évangiles de Lindisfarne (698) et le magnifique Livre de Kells (800). En raison de la tradition d'art celtique du pays, la plupart des illustrateurs de manuscrits irlandais ont utilisé des dessins celtiques abstraits, plutôt que des images figuratives préférées des artistes continentaux.

Utilisant des compétences dérivées des traditions antérieures de l'art de la ferronnerie celtique, les monastères irlandais étaient également responsables de récipients ecclésiastiques de haute qualité, comme le calice d'Ardagh (VIIIe/9e siècle, Musée national d'Irlande), décoré dans le style d'art La Tène.

Un troisième type d'art chrétien apparu en Irlande au Moyen Âge était la sculpture en croix haute (vers 750-1150 de notre ère). Composé de monuments de différentes tailles, tous basés sur la conception standard de la croix celtique. Décorés soit de motifs abstraits, soit de scènes narratives de la Bible (rarement les deux), ces monuments constituent le plus important ensemble de sculptures autoportantes réalisées entre la chute de Rome (vers 450) et le début de la Renaissance italienne (vers 1400). ).

L'art chrétien médiéval sur le continent a suivi des chemins similaires, quoique un peu plus tard. L'art carolingien (vers 750-900), par exemple, (la culture du royaume franc de Charlemagne Ier) s'inspire des modèles byzantins plutôt qu'irlandais. Les scriptoria monastiques d'Aix-la-Chapelle, Paris, Reims, Metz et Tours ont produit de beaux exemples de peinture médiévale comme l'Évangéliste de Godescalc (vers 783), le Psautier d'Utrecht (vers 830) et la Bible de Grandval (vers 840). La culture carolingienne a été suivie par l'art ottonien, sous les empereurs romains Othon I, II et III (900-1050). Inspiré des techniques carolingiennes ainsi que d'éléments byzantins - comme l'utilisation de la feuille d'or - l'art ottonien était célèbre pour ses manuscrits richement décorés, dont le Perikpenbuch d'Henri II (vers 1010), l'Apocalypse de Bamberg (vers 1020), le Hitda -Codex (c.1025) et le Codex Aureus Epternacensis (c.1053). Voir aussi : Art médiéval allemand (c.800-1250).

La nouvelle architecture chrétienne a également été observée sous Charlemagne - voir, par exemple, la maison de gardien du monastère de Lorsch (792-805) et la chapelle Palatine (800, Aix-la-Chapelle) - et sous les Ottos - voir l'église de St Cyriakus à Gernrode (961 ), Cathédrale de Bamberg (commencée en 1004).

De plus, l'orfèvrerie et les métaux précieux sont réapparus sur le continent, tout comme la sculpture, bien que la sculpture médiévale (du moins sous les Otton) ait eu tendance à se concentrer sur le mobilier d'église - autels, tombeaux, portes, chandeliers et sépulcres, plutôt que d'embellir l'architecture de l'église. . Certaines peintures murales ont également été réalisées, telles que La résurrection de la fille de Jaïrus et Guérison de la femme hémorragique (vers 980, église Saint-Georges, Reichenau).

Architecture de l'église romane (c.1000-1150)

L'architecture et la culture ottoniennes se chevauchent considérablement avec l'art roman, un terme qui décrit en pratique un nouveau style d'architecture chrétienne à l'échelle européenne. Ce fut la première grande campagne de construction d'églises, initiée par Rome et par les nouveaux ordres chrétiens de moines, qui comprenaient des cathédrales, des abbayes et des églises paroissiales. (Au Royaume-Uni, l'architecture romane est connue sous le nom d'architecture normande.) L'architecture romane s'inspire largement des conceptions romaines classiques et se caractérise par une nouvelle monumentalité, marquant la stabilité croissante de l'époque et la renaissance de la culture chrétienne européenne après quatre siècles d'obscurité. .

Les églises et édifices religieux romans les plus célèbres sont : Église de Cluny II (981, Bourgogne) Église du monastère de S. Pedro de Roda (1022, Catalogne) Église abbatiale de St Michel, Hildesheim (1033, Allemagne) Cathédrale d'Ely (1080, Angleterre) Cathédrale de Pise (après 1083, Italie) Abbaye de la Grand Chartreuse (1084, Grenoble) Cathédrale de Durham (après 1093, Angleterre) Cathédrale de Speyer (1106, Allemagne) Église abbatiale Sainte-Foy (1120, France) Baptistère St Giovanni, Florence ( 1128, Italie) Église de Cluny III (1130, France) Cathédrale de Mayence (1137, Allemagne) Krak des Chevaliers (après 1142, Homs, Syrie) Église abbatiale de Fontenay (1147, France) Cathédrale de Worms (1200, Allemagne) et l'église de la Madeleine (1215, Vézelay).

L'architecture romane a dû faire face au nombre croissant de pèlerins visitant les sites de saintes reliques à travers l'Europe. En France/Espagne, par exemple, des arcades massives ont été construites pour faire face aux immenses foules de dévots sur le Chemin de Saint-Jacques, la route de pèlerinage vers la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle (1075-1211) en Galice, au nord-ouest de l'Espagne, où les vestiges de l'apôtre Saint Jacques seraient enterrés. D'autres églises romanes sur la route comprenaient l'église de pèlerinage St Etienne (1063, Nevers) et l'église de pèlerinage Saint-Sernin (1120, Toulouse).

Pour décorer leurs églises, les architectes romans s'appuient sur des vitraux, des peintures murales et des sculptures.

La production de vitraux était concentrée dans des centres comme la Rhénanie (Allemagne) et dans le Ile de France et Poitiers. Encadrés pour la première fois en plomb, les dessins reposaient sur de forts contrastes de couleurs (bleu, rouges intenses, jaune). (Voir aussi : Art du vitrail : matériaux, méthodes.) Des exemples célèbres incluent des vitraux comme : Le prophète Osée (1130, mur sud de la cathédrale d'Augsbourg) et La crucifixion du Christ (1165, Cathédrale de Poitiers). Des peintures murales ont été utilisées - comme dans les églises byzantines - pour éduquer les fidèles illettrés. Les styles étaient généralement dynamiques et animés, tandis que les artistes espagnols créaient des peintures murales romanes avec un mélange d'art espagnol et islamique. La sculpture apparaît surtout à l'extérieur des églises, dans un style plutôt statique ou en bois. L'artiste roman le plus célèbre était probablement le sculpteur Gislebertus (1120-1135), connu pour son travail en relief sur les portails de
Cathédrale Saint-Lazare, Autun.

Architecture Gothique, Livre-Peinture (c.1150-1375)

L'art gothique, lui aussi, était entièrement consacré à l'architecture chrétienne. Elle est redevable à un renouveau des sciences et des mathématiques, notamment de la géométrie euclidienne. Alors que le roman était connu pour sa masse d'échelle, ses murs épais, ses fenêtres étroites et ses intérieurs sombres, l'architecture gothique a ébloui par ses voûtes montantes, ses immenses vitraux et ses intérieurs spacieux et bien éclairés. Utilisant des arcs brisés pour répartir le poids du plafond et des arcs-boutants révolutionnaires pour soutenir les murs, il a permis aux architectes de créer une église qui reflétait pleinement la gloire de Dieu. Le style gothique est apparu pour la première fois dans l'église abbatiale de Saint-Denis, près de Paris (commencé en 1140), et en moins d'un siècle avait révolutionné la conception des cathédrales à travers l'Europe. Pour l'expression ultime de l'architecture gothique religieuse, voir : Sainte Chapelle (1241-48) à Paris.

D'autres édifices gothiques célèbres comprenaient les cathédrales de Laon (1160), Notre Dame de Paris (1160), Chartres (1194), Bourges (1195), Reims (1211), Amiens (1220), Salisbury (1220), Burgos (1220) , Abbaye de Westminster, Lincoln (1230), (1245), Cologne (1248), Fribourg (1275), York Minster (1280), Rouen (1281), Sienne (vers 1290), Barcelone (1298), Orvieto (1330) , Milan (1386), Séville (1402) et autres.

La sculpture architecturale était une autre caractéristique importante. Les statues de colonnes et les reliefs de personnages de l'Ancien Testament, ainsi que les représentations du Christ et d'autres membres de la Sainte Famille, étaient monnaie courante. La sculpture gothique s'est développée en une série de petites étapes créatives. D'abord un réalisme accru, visiblement différent de l'aspect un peu boisé de l'idiome roman puis on voit des figures plus gracieuses aux drapés moelleux puis des figures à l'aspect solide et droit, avec des gestes plus retenus. Enfin vinrent des personnages aux postures délicates et aux draperies épaisses suspendues à de longs plis en forme de V. Parmi les plus grands sculpteurs figuraient Nicola Pisano (c.1206-1278) et Arnolfo di Cambio (c.1240�).

Les sculpteurs du gothique tardif, basés en Allemagne au XVe et au début du XVIe siècle, ont produit une explosion de sculptures sur bois chrétiennes exquises dans une série de retables triptyques spectaculaires, jamais égalés depuis. Remarqués pour l'émotion de leurs figures expressionnistes, ces maîtres sculpteurs comprenaient Michael Pacher (1435-98), Veit Stoss (c.1447-1533), Tilman Riemenschneider (c.1460-1531) et Gregor Erhart (c.1460-1540) . Voir : Art gothique allemand (c.1200-1450).

Fortement influencés par la sculpture, les peintres gothiques étaient également occupés à créer des œuvres d'art religieux, mais pas à l'intérieur des églises, où d'énormes vitraux fournissaient désormais la couleur et l'illustration biblique qui étaient auparavant fournies par les peintures murales : voir, par exemple, le vitrail translucide art à l'intérieur de la cathédrale de Chartres (c.1194-1250). Au lieu de cela, les peintres gothiques se sont concentrés sur les manuscrits enluminés, tels que le Bibles françaises moralisatrices (vers 1230-40), La Somme le Roi (1290), le Codex Manesse (1310), Heures de Jeanne d'Évreux (1328), Psautier de Bonne de Luxembourg (1349), les Anglais Psautier d'Amesbury (1240), Psautier de la reine Marie (1330) et le Arundel et Luttrell Psautiers (1340). Ce ne sont là que quelques-uns des nombreux livres d'heures, missels, psautiers, apocalypses, bibles et autres textes évangéliques enluminés qui émanaient des scriptoria monastiques de l'époque. Voir notamment les œuvres de Jean Pucelle (1290-1334). Pour en savoir plus, voir : Histoire des manuscrits illustrés (600-1200).

Vers la fin de l'ère gothique, un riche style d'art a émergé, parmi les cours royales d'Europe, qui a agi comme une sorte de pont entre la culture gothique et la culture de la Renaissance. Connu sous le nom de gothique international (c.1375-1450), ce style a été illustré par une gamme d'enluminures chrétiennes qui ont atteint leur apogée dans des œuvres comme Les Tres Riches Heures du Duc de Berry (1416) par les Frères Limbourg (tous morts de la peste, 1416) les Heures du Maréchal de Boucicaut, par Jacquemart de Hesdin (c.1355-1414), et Le Missel de Jean des Martins par Enguerrand de Charenton (Quarton) ( vers 1410-1466).

L'art chrétien du 14ème siècle, l'ère pré-Renaissance, était dominé par Giotto - voir les fresques de la chapelle des Scrovegni (Arène) (vers 1303-10) - et Duccio de Buoninsegna (1255-1318) - voir le célèbre polyptyque de Sienne Cathédrale, connue sous le nom de retable de Maesta (1308-11). Après cela est venu le début de la Renaissance à Florence, illustré par le duomo de la ville - pour plus, voir : la cathédrale de Florence, Brunelleschi et la Renaissance (1420-36) - Masaccio (fresques de la chapelle Brancacci) et Donatello (statue de David). Si l'art chrétien du XVe siècle était dominé par Florence, le centre de l'art chrétien du XVIe siècle était Rome, dont les plus grands mécènes étaient le pape Sixte IV (1471-84), le pape Jules II (1503-13), le pape Léon X (1513-21). ) et le pape Paul III (1534-1549).

Le XVIe siècle a également été témoin d'un âge d'or de l'art à Venise : voir les retables vénitiens (1500-1600) et la peinture vénitienne.

Les peintures religieuses immortelles de la Renaissance comprennent : La flagellation du Christ (1460) par Piero della Francesca Le dernier souper (1495-98) et La Vierge aux rochers (1484) de Léonard de Vinci Lamentation sur le Christ mort (vers 1490) par Andrea Mantegna La Vierge Sixtine (1513) et La Transfiguration (1518-20) de Raphaël L'Assomption de la Vierge (1516-8) par Titien le Assomption de la Vierge (Cathédrale de Parme) (1524-30) au plafond de la coupole de la cathédrale de Parme par Correggio La fête des noces à Cana (1563) et Fête dans la maison de Levi (1573) de Paolo Veronese et La crucifixion (1565) du Tintoret. La plus grande sculpture de la Renaissance chrétienne comprenait : Le Portes du Paradis (1425-52, Baptistère de Florence) par Lorenzo Ghiberti L'incrédulité de saint Thomas (1467) par Andrea Verrocchio de nombreux objets de dévotion sculpture en terre cuite de la famille florentine Della Robbia Pietà (1500), David (1504) et le Tombeau du pape Jules II (1505-1545) de Michel-Ange. Mais l'art chrétien le plus emblématique du XVIe siècle doit sûrement être les fresques de la chapelle Sixtine, peintes par Michel-Ange. Il s'agit notamment de la fresque de la Genèse (1508-12) - voir en particulier La création d'Adam (Dieu passant l'étincelle de vie).

Ironiquement, l'architecture de la Renaissance chrétienne était basée sur des conceptions de l'architecture grecque païenne et faisait un usage libéral des ordres dorique, ionique et corinthien. Des exemples remarquables incluent: le dôme de la cathédrale de Florence (1420-36) et l'église de San Lorenzo (1420-69) conçu par Brunelleschi Église de Santa Maria delle Carceri (1485-1506) par Giuliano da Sangallo Basilique Saint-Pierre (1506-1626) de Bramante, Raphael, Michelangelo, Giacomo della Porta, Carlo Maderno et Bernini Église de San Giorgio Maggiore (1562) de Palladio.

Art chrétien de la Renaissance du Nord

L'art dit de la Renaissance du Nord (vers 1430-1580) était dominé par l'école de peinture flamande, qui faisait partie du mouvement plus large de la Renaissance néerlandaise. En termes simples, la Renaissance du Nord a commencé en trombe, s'est rapidement imposée comme la principale école de peinture à l'huile, puis a progressivement décliné. L'art du retable de peintres comme Jan van Eyck (voir son Retable de Gand, 1432) et Roger van der Weyden (Descente de Croix, 1440), ainsi que les œuvres incroyablement complexes de Hugo van der Goes (Retable Portinari, 1475), ont rarement été égalés, sauf par les extraordinaires images visionnaires de Hieronymus Bosch - voir Jardin des délices et Triptyque Haywain - (avidement collectionné par le monarque catholique austère Philippe II d'Espagne), et les peintures de genre complexes de Pieter Bruegel l'Ancien (Recensement de Bethléem, 1566 Massacre des Innocents, 1564 Parabole des aveugles, 1568).

NOTE : la peinture religieuse du XVe siècle en France a été dirigée par l'artiste provençal Enguerrand de Quarton (1410-66) - célèbre pour son Pietà d'Avignon (c.1455, Louvre) - et le peintre de cour Jean Fouquet (1420-81) connu pour ses Diptyque Melun (vers 1450-55).

Le réalisme et la précision flamands sont également évidents dans le travail de peintres allemands tels que Stephan Lochner (Le Jugement dernier, années 1440), Lucas Cranach l'Ancien (Adam et Eve, 1528), Hans Baldung Grien (Autel de la Vierge Marie [Le retable de Fribourg], 1514), et Hans Holbein l'Ancien (Scènes de la Passion du Christ [Le retable de Kasheim], 1502). D'autres maîtres allemands incluent l'expressionniste Matthias Grunewald (Retable d'Issenheim, 1510-15) et le graveur et peintre polyvalent Albrecht Durer (Les quatre cavaliers de l'Apocalypse, 1498, gravure sur bois), et Martin Schongauer (Vierge à la roseraie, 1473).

Note historique : la Réforme protestante
En 1517, Luther, un prêtre hollandais - sans doute influencé par la révolte antérieure de Savonarole (1452-98) à Florence - a commencé une révolte religieuse contre les pratiques corrompues de l'Église de Rome, qui a conduit à une scission du mouvement chrétien. Les manifestants sont devenus connus sous le nom de protestants, tandis que ceux qui ont continué à suivre l'Église traditionnelle se sont appelés catholiques romains. Le protestantisme (qui se divise en quatre types : luthérien, calviniste, anglican et anabaptiste) a pris racine dans les pays d'Europe du Nord comme la Hollande, l'Allemagne (sauf la Bavière) et la Grande-Bretagne, tandis que les pays d'Europe du Sud comme la France, l'Italie et l'Espagne (ainsi que la colonie espagnole de Flandre), est resté catholique.

À partir de 1520 environ, alors que la Renaissance du Nord ressentait l'impact de la révolte de Luther contre les pratiques corrompues de l'Église romaine, une nouvelle esthétique s'est installée, sous la forme de Art de la Réforme protestante, qui reflétait l'agenda chrétien du mouvement protestant, qui rejetait l'art et l'idéologie humanistes de la Haute Renaissance, et célébrait une expérience religieuse plus austère, avec une décoration minimale. En conséquence, la quantité d'art religieux commandée par les autorités de l'Église protestante a été considérablement réduite et les artistes des pays protestants ont été contraints de passer à des formes laïques comme la peinture de genre, le portrait, la peinture de paysage et les natures mortes.

Le protestantisme enseignait une forme de culte personnel et discret qui se concentrait sur la relation directe entre Dieu et l'homme, sans se soucier des intermédiaires comme les papes, les évêques et les autres employés de l'église. Il accordait également peu ou pas d'importance aux aspects décoratifs ou cérémoniels de la religion. Pour cette raison, l'art protestant privilégiait les représentations moralisatrices discrètes de la vie quotidienne ordinaire, ou de simples scènes narratives de la Bible, plutôt que des scènes théologiques dramatiques impliquant la passion, la crucifixion et la résurrection du Christ. D'autres scènes acceptables comprenaient des représentations de pécheurs pardonnés par le Christ, conformément au point de vue protestant selon lequel le salut n'est possible que par la grâce de Dieu. L'art protestant avait également tendance à être à plus petite échelle que l'art catholique, reflétant une approche plus modeste et personnelle de la religion. Pour la même raison, les illustrations de livres et les estampes sont devenues plus populaires, tandis que les peintures et sculptures catholiques sont devenues l'objet d'attaques physiques iconclastes, comme en témoignent les tempête de beelden, un épisode de destruction de la foule qui a éclaté en 1556. Mais les autorités de l'église protestante étaient également conscientes du pouvoir de l'art pour éduquer et influencer les fidèles. En conséquence, ils ont utilisé au maximum diverses formes de gravure, ce qui a permis de diffuser largement les images au public à un coût très faible.

L'esthétique protestante atteint son apogée à l'époque baroque hollandaise (vers 1600-80). Cette période, connue sous le nom d'âge d'or de l'art hollandais, a vu le développement ultime du style réaliste adopté plus tôt par les peintres flamands. Bien que les portraits et les paysages aient également été populaires, la période est surtout connue comme le point culminant de la peinture de genre réaliste hollandaise et de ce qu'on appelle la peinture de natures mortes (tableaux arrangés). Les principaux peintres de genre de la Réforme protestante sont issus de diverses écoles. Adriaen van Ostade et l'artiste catholique Jan Steen représentaient l'école de Haarlem Jan Vermeer et Pieter de Hooch représentaient l'école de Delft Hendrik Terbrugghen et Gerrit van Honthorst appartenaient à l'école d'Utrecht Gerrit Dou représentait l'école de Leyde Samuel van Hoogstraten et Nicolaes Maes étaient membres de la L'école de Dordrecht et Carel Fabritius, Gerard Terborch et Gabriel Metsu appartenaient à l'école d'Amsterdam.

Beaucoup de ces peintures de genre contenaient des messages moraux subtils sur la façon de vivre une vie chrétienne, ainsi que des messages moins subtils sur les dangers du vice. Cette iconographie protestante discrète contrastait complètement avec les scènes bibliques intenses, telles que la Crucifixion et la Lamentation, favorisées par l'art catholique. Les natures mortes ont fourni un autre exemple de cet art moralisateur. Connu sous le nom de peinture Vanitas, ce genre consistait en des arrangements de nourriture et d'autres objets disposés sur une table, accompagnés de messages symboliques qui désapprouvaient la gourmandise et l'indulgence sensuelle. Il y avait deux variétés de tableaux de vanités : "pièces de banquet" (pronkstilleven), ou "pièces du petit-déjeuner" (ontbijtjes). Exposants de pronkstilleven inclus : Harmen van Steenwyck (1612-56), Jan Davidsz de Heem (1606-84) et Willem Kalf (1622-93). Alors que les principaux praticiens de ontbijtjes inclus : Willem Claesz Heda (1594-1680) et Pieter Claesz (1597-1660).

Même à Amsterdam protestante, cependant, il restait une demande modeste de peintures religieuses. L'une des commandes les plus importantes reçues par le jeune Rembrandt était cinq peintures pour le prince Frédéric Henri d'Orange - le principal soldat des guerres hollandaises contre l'Espagne catholique - sur le thème de la Passion du Christ. En plus de ses talents de portraitiste, Rembrandt est devenu le plus grand peintre religieux du protestantisme néerlandais, connu pour des œuvres telles que : L'Aveuglement de Samson (1636), Le sacrifice d'Isaac (1636), Susanna et les Anciens (1647), Bethsabée tenant la lettre du roi David (1654), Jacob bénissant les enfants de Joseph (1656), et Le retour du fils prodigue (1666-69).

Art catholique de la contre-réforme

L'Église catholique romaine a répondu à la Réforme protestante par la Contre-Réforme. Art catholique de la contre-réforme a été conçu pour communiquer les principes distinctifs de la liturgie et de la foi catholiques afin de renforcer la popularité du catholicisme. Il a été lancé en même temps que la peinture maniériste s'installait en Italie - un style très expressif qui utilisait la distorsion pour l'effet, comme en témoigne l'image de Parmigianino Vierge au long cou (1535, Offices). Préoccupées par le fait que l'art catholique attachait trop d'importance aux qualités décoratives, et pas assez aux valeurs religieuses - niant ainsi ses effets éducatifs sur les fidèles - les autorités catholiques ont décrété que l'art biblique devrait être direct et convaincant dans sa présentation narrative, qui elle-même devrait être précis plutôt que fantaisiste, et doit surtout encourager la piété. La nudité et d'autres images inappropriées ont été interdites. Pour un exemple d'artiste pieux maniériste qui a adapté son style à l'enseignement de l'Église, voir : Federico Barocci (1526-1612).

En bref, le seul but de l'art de la Contre-Réforme était de glorifier Dieu et les traditions catholiques, et de promouvoir les sacrements et les saints. Ainsi, la fresque du Jugement dernier de Michel-Ange dans la chapelle Sixtine a été fortement critiquée pour sa nudité, pour montrer Jésus sans barbe et pour inclure le personnage païen de Charon. La peinture de Paolo Veronese Le dernier souper a été (pas déraisonnablement) attaqué pour avoir inclus des costumes extravagants, des Allemands ivres et des nains avec une énorme foule de personnes. En fait, Veronese a simplement évité le problème en renommant l'image Fête dans la maison de Levi.

L'Église catholique a lancé la Contre-Réforme pour lutter pour les cœurs et les esprits de ces chrétiens qui étaient « passés » au protestantisme. À cette fin, la Compagnie de Jésus (Sociétés Jésus) - fondée par S. Ignatius Loyola et communément appelée les Jésuites - a été officiellement établie en 1540 par le pape Paul III, en tant que corps enseignant important et ordre missionnaire. L'art jésuite était une source d'inspiration appropriée. Tout d'abord, l'architecte Giacomo Barozzi (Vignola) a été chargé de concevoir une église pour le nouvel ordre - l'église du Saint-Nom de Jésus (Il Gesù) (1568-73) - pour lequel le peintre baroque Giovanni Battista Gaulli a peint le fabuleux trompe l'oeil fresques au plafond. Une autre église jésuite, la San Ignazio, a servi de cadre à ce qui est sans doute le plus grand exemple de peinture quadratura jamais créé - Le triomphe et l'apothéose de saint Ignace de Loyola (1691-4) par Andrea Pozzo. Il n'existe pas de plus grand exemple de peinture contre-réforme, et pas de meilleur exemple des différences entre l'art protestant et catholique.

Fervent catholique, l'artiste flamand Peter Paul Rubens est devenu le représentant le plus influent de la peinture de la Contre-Réforme en Europe du Nord. Célèbre pour ses peintures religieuses et historiques à grande échelle, pleines de couleurs sensuelles et de drames, il a socialisé dans les principaux cercles de la société européenne en tant qu'artiste et diplomate. Malgré la distance qui sépare Rubens du pratiquant ordinaire, certaines de ses images catholiques, comme le célèbre triptyque Descente de Croix (Rubens) (1612), sont intensément émouvants et son impact sur les peintres ultérieurs fut énorme. Voir également: Samson et Dalila (1610).

Le peintre italien du début du baroque Caravage était l'un des héros de la campagne artistique catholique de la Contre-Réforme. Non pas à cause de sa piété, mais parce qu'il a peint le Christ, la Vierge Marie, les Apôtres et les Saints, avec un naturalisme incroyable. La marque de réalisme simple du Caravage était le style parfait pour le message de l'Église. Il a donné aux événements bibliques clés une immédiateté qu'aucun autre peintre n'avait atteinte. En abandonnant les prétentions stylistiques du maniérisme tardif - un style qui n'était compris que par une minorité instruite, il a fourni l'impact d'inspiration instantané exigé par le Concile de Trente. Ses plus grandes œuvres comprennent : L'appel de saint Matthieu (1600), Le martyre de saint Matthieu (1600), Conversion sur le chemin de Damas (1601), Souper à Emmaüs (1602), La mise au tombeau du Christ (1601-3), La Crucifixion de Saint Pierre (1601), et La mort de la vierge (1601-6). Son utilisation dramatique de la lumière et de l'ombre a été poursuivie après sa mort par les adeptes du soi-disant caravagisme.

El Greco (1541-1614) et l'école espagnole

L'Espagne est le seul État européen à avoir émergé d'une lutte religieuse entre le christianisme et l'islam (la domination musulmane sur la majeure partie de la péninsule ibérique a duré 718-1492). Il n'est donc pas surprenant que l'école de peinture espagnole produise une forme d'art chrétien conforme à la dévotion intransigeante du pays à la cause catholique. Son plus grand représentant était Domenikos Theotokopoulos, appelé El Greco. Après une formation à la peinture d'icônes byzantine, il a travaillé à Venise avant de s'installer en Espagne. Ici, il a créé une série de portraits extatiques du Christ et des saints, dont l'intensité d'expression faisait directement appel aux sentiments spirituels du spectateur. Ces puissantes peintures saintes, avec leurs figures allongées, leur perspective déformée et leurs schémas de couleurs non naturels, ont fait d'El Greco le père de l'art de la Contre-Réforme en Espagne. Ses peintures catholiques les plus célèbres incluent : La Trinité (1577-9) Le déshabillage du Christ (1579) L'enterrement du comte d'Orgaz (1586) Le Christ chassant les marchands du Temple (1600) le Résurrection (1600), et L'ouverture du cinquième sceau de l'Apocalypse (1608). Bien qu'ils n'aient rien du naturalisme du Caravage, ces tableaux étaient des chefs-d'œuvre spirituels, et donc tout à fait conformes aux exigences doctrinales du Vatican.

Après El Greco est venu Francisco de Zurbaran (1598-1664), un artiste fortement influencé par le quiétisme espagnol, spécialisé dans les peintures sacrées à grande échelle pour les ordres religieux comme les chartreux, les capucins, les dominicains et autres. Le contemporain de Zurburan, Jusepe Ribera (1591-1652) était une figure clé de l'école napolitaine de peinture (1600-56) et un des premiers disciples du Caravage. Les œuvres de ces deux peintres sont célèbres pour leur véracité visuelle, audacieuse clair-obscur et le ténébrisme, ce qui leur a donné beaucoup de drame et d'intensité. Voir également: Christ crucifié (1632) de Diego Vélasquez.

L'intensité spirituelle atteinte par les peintres espagnols a également été observée dans les œuvres de sculpteurs espagnols, comme Alonso Berruguete (c.1486-1561), le plus grand de tous les sculpteurs de la Renaissance en Espagne, dont les chefs-d'œuvre comprennent : le retable du monastère de La Mejorada Valladolid (1526), ​​et les stalles du chœur de la cathédrale de Tolède (1539-43) Juan de Juni (1507-1577), connu pour son expressivité émotive, comme dans ses deux groupes de la Mise au tombeau du Christ (1544 et 1571). Juan Martinez Montanes (le "Dieu du bois"), célèbre pour ses crucifix en bois et ses figures religieuses, comme Le Christ miséricordieux (1603) et le Retable de Santiponce (1613) et Alonso Cano (le "Michel-Ange espagnol"), dont le chef-d'œuvre est L'Immaculée Conception (1655).

Bernini (1598-1680) et l'école italienne

Aucun autre artiste italien n'a mieux incarné l'art baroque catholique que Gianlorenzo Bernini, dont la production d'art religieux comprenait le chef-d'œuvre sculptural Le Extase de Sainte Thérèse (1645&# 15052), à l'intérieur de la chapelle Cornaro spécialement conçue de l'église de Santa Maria della Vittoria. L'idiome baroque a engendré un style d'architecture mélodramatique, illustré par la conception de Bernini pour la place Saint-Pierre (1656-67) et les approches de la basilique Saint-Pierre à Rome. Un favori d'Urbain VIII, et un rival de François Duquesnoy (1594-1643) et Alessandro Algardi (1598-1654), la stature du Bernin à Rome (mais pas sa créativité) était égalée par celle du français Nicolas Poussin (1594- 1665), le fondateur du classicisme français, dont les peintures religieuses comprenaient Le martyre de saint Érasme (1628), La peste sur Ashdod (1630), L'Israélite rassemblant la manne dans le désert (1639), Le garçon Moïse piétine la couronne du pharaon (1645), et La Sainte Famille sur les marches (1648).

REMARQUE : la sculpture baroque allemande pourrait également être impressionnante. Voir, par exemple, l'extraordinaire maître-autel de la Vierge Marie (1613-16), dans l'église Saint-Nicolas d'Uberlingen, sculpté par le maître sculpteur Jorg Zurn (1583-1638).

Peintures murales de l'église (Quadratura)

La forme la plus spectaculaire de la peinture chrétienne était probablement la peinture murale du plafond de l'église (appelée quadratura), souvent exécuté avec trompe l'oeil effets illusionnistes. Cette décoration des plafonds voûtés/dômes des églises a commencé à la Renaissance en Italie. Les exemples de la Renaissance comprenaient : le Sala delle Prospective fresque (vers 1517, Villa Farnesina) de Baldessare Peruzzi et le Assomption de la Vierge (1524-30) par Correggio, qui a décoré le plafond en forme de dôme de la cathédrale de Parme.

Les peintures murales baroques comprennent le célèbre Fresque aurore (1621-3, Villa Ludovisi, Rome) par Guercino et Agostino Tassi le Assomption de la Vierge (1625-7) sur le duomo de l'église de S. Andrea della Valle, par Giovanni Lanfranco (1582-1647) les fresques du Palazzo Barberini par Pietro da Cortona, y compris Allégorie de la Divine Providence (1633-9) et l'Apothéose de saint Ignace (1688-94, Sant'Ignazio, Rome) d'Andrea Pozzo.

Les peintures murales chrétiennes rococo remarquables - toutes de Giambattista Tiepolo - comprennent le Palais des lèvres fresques (c.1745) à Venise le Würzburg Rezidenz fresques (1750-3) en Allemagne et Apothéose de l'Espagne fresque (1763-176) au Palais Royal de Madrid.

Peintures architecturales des églises

Une caractéristique intéressante du dessin chrétien de la période baroque était les dessins architecturaux, les gravures et les peintures d'intérieurs d'églises. Trois des principaux représentants de ce genre étaient : l'artiste de Haarlem Pieter Saenredam connu pour sa précision architecturale et ses images d'intérieurs d'églises blanchies à la chaux (Intérieur du Buurkerk, Utrecht, 1645) Emanuel de Witte, moins soucieux de précision technique et plus intéressé par l'atmosphère de l'église (Intérieur de la synagogue portugaise à Amsterdam, 1680) et le peintre italien (vedutista) Giovanni Paolo Panini (Intérieur de la basilique Saint-Pierre, Rome, 1731).

Architecture de l'église du baroque

L'architecture baroque a abandonné la symétrie équilibrée des conceptions de la Renaissance au profit de lignes et de surfaces courbes spectaculaires qui combinaient l'art et l'architecture en une seule entité dynamique, créant des effets illusoires de lumière, de couleur et de texture. Les églises baroques étaient caractérisées par une combinaison de dômes, de chapelles décorées, de fresques quadratura, et d'autres embellissements, comme en témoignent ces quatre structures.

Basilique Saint-Pierre (Rome) (1506-1626)
Construite pour la première fois sur le site funéraire légendaire de Saint-Pierre, à l'époque de l'empereur Constantin Ier, la basilique Saint-Pierre est l'un des plus saints de tous les sites catholiques. Le bâtiment actuel a été principalement conçu par Donato Bramante, Michel-Ange, Carlo Maderno et Bernini, et incarne la transition artistique de la Renaissance au baroque. Couronné par un dôme de 433 pieds de haut, il regorge d'œuvres d'art inestimables, dont la sculpture en marbre de Michel-Ange Pietà (1500), sculpté par l'artiste à partir d'un seul bloc de marbre de Carrare à l'âge de 25 ans. Saint-Pierre est fortement associé à l'église paléochrétienne, la papauté, la Contre-Réforme et est considéré comme le plus bel édifice de son âge.

Basilique Santa Maria della Salute, Venise (1631-87)
Conçue par l'architecte italien Baldassarre Longhena en remerciement à la Vierge Marie pour avoir délivré la ville de la peste, cette basilique à deux dômes qui se dresse sur la péninsule entre le Canal Grande et les Zattere à Venise, combine grec, islamique et classique Caractéristiques baroques. C'est l'un des monuments les plus célèbres de la ville.

Cathédrale St Paul, Londres (1674-1710)
Conçu par Sir Christopher Wren, St Paul's est une cathédrale de l'Église d'Angleterre qui se dresse sur le site de l'église d'origine, fondée en 604. Siège de l'évêque de Londres, la cathédrale a été construite dans le cadre du programme de reconstruction majeur supervisé par Wren , suite au Grand Incendie de Londres. Son dôme de 365 pieds de haut est l'un des sites les plus connus de Londres.

Abbaye de Melk, Autriche (1702-36)
Conçu et construit par l'architecte et maître maçon autrichien Jakob Prandtauer, il combine des éléments baroques italiens avec un design autrichien traditionnel. Située sur de hautes falaises surplombant le Danube, son église abbatiale combine un haut dôme et des tours jumelles. L'extérieur de l'abbaye est une masse de surfaces ondulées et de tourelles et de tours en flèche, tandis que ses intérieurs et ses couloirs ont été décorés par de nombreux artistes autrichiens de premier plan. Il abrite plusieurs éléments célèbres, dont la salle de marbre, l'escalier impérial et une bibliothèque contenant une vaste collection de textes médiévaux rares.

L'art chrétien à l'époque moderne (1750-2000)

Vers le milieu du XVIIIe siècle, les pays catholiques étaient surpeuplés de cathédrales, d'églises, d'abbayes, de monastères et de couvents - dans le cas de certaines villes comme Naples, presque absurdement. En conséquence, les commissions ecclésiastiques ont commencé à se tarir. Dans le même temps, avec l'avènement des Lumières du XVIIIe siècle, la Révolution industrielle et des bouleversements politiques comme la Révolution française de 1789, l'Église chrétienne européenne a perdu du terrain face au nationalisme, au socialisme et à d'autres systèmes de valeurs. De plus, cela a permis de récolter moins d'argent à dépenser pour des statues religieuses ou d'autres formes d'art religieux. Au XIXe siècle, l'Église était moins importante en tant que mécène des arts que les rois et les nobles, tandis que la demande de la classe moyenne pour des portraits, des paysages topographiques et d'autres œuvres profanes augmentait rapidement. Les peintres pouvaient profiter d'une carrière prospère simplement en se concentrant sur l'art du portrait, ou divers types de peinture de paysage, sans jamais peindre un sujet religieux - quelque chose jusqu'alors inconnu dans les pays catholiques, bien que longtemps considéré comme normal dans les pays protestants.

Ce n'est que dans le Nouveau Monde qu'un nombre important de nouvelles églises ont été érigées. Le type d'architecture choisi était généralement revivaliste : voir, par exemple, la basilique de Baltimore de style néoclassique (1806-1821), la première cathédrale catholique romaine des États-Unis, conçue par Benjamin Henry Latrobe la cathédrale Saint-Patrick décorée de style gothique, New York (1858-79), conçu par James Renwick Richard Upjohn's Trinity Church, New York (1841-6), un autre chef-d'œuvre du renouveau gothique et Trinity Church, Boston (1872-77), conçu par Henry Hobson Richardson dans un style roman revivaliste style.

Un seul exemple majeur et innovant d'architecture d'église chrétienne a été construit en Europe au 19ème siècle - la Sagrada Familia, Barcelone (1883), conçue dans un style néo-gothique très décoratif par Antoni Gaudi. Célébrant la Sainte Famille et les mystères de la foi catholique, cette église extraordinaire avec sa formation arborescente de structures voûtées comprend cinq tours et douze campaniles. Fait de pierre et de béton, le bâtiment est agrémenté en partie de carreaux de céramique, de faîteaux à pompons et de nombreuses sculptures, mais n'est toujours pas complètement terminé. Gaudi lui-même s'est inspiré du mouvement Arts and Crafts et a été associé à l'école moderniste catalane.

Moins d'églises signifiait moins de sculptures et moins de décorations ecclésiastiques. Mais de nouvelles œuvres sont apparues, telles que Christ Rédempteur (1926-31), l'immense statue de stéatite surplombant Rio de Janeiro, au Brésil. Conçue par Heitor da Silva Costa et sculptée par Paul Landowski, c'est la plus grande statue Art déco au monde. D'autres pièces remarquables de la sculpture chrétienne moderne comprennent : Tarcisius, martyr chrétien (1868, Musée d'Orsay, marbre) sculpté par Jean-Alexandre-Joseph Falguière Genèse (1929-1931, Whitworth Art Gallery, Manchester) et Adam (1938, Harewood House), tous deux de Jacob Epstein.

La peinture chrétienne des beaux-arts a été la plus durement touchée par le déclin de la croyance religieuse, bien que quelques œuvres exceptionnelles aient été produites. Deux groupes modernes de peintres religieux, comprennent les Nazaréens et l'école russe.

Appartenant à l'aile romantique de l'art allemand du XIXe siècle, les Nazaréens étaient un groupe de peintres idéalistes formés à Vienne, dont les images spirituelles rappelaient l'art médiéval allemand et la peinture de la première Renaissance. Les principaux membres comprenaient Friedrich Overbeck, Franz Pforr, Wilhelm von Schadow et Julius Schnorr von Carolsfeld. Ils ont été surnommés Nazaréens en raison de leur tenue biblique, de leurs cheveux longs et de leur mode de vie dévot.

L'art russe du XIXe siècle a produit des œuvres remarquables de la peinture chrétienne. Parmi les principaux peintres : l'Ukrainien Anton Losenko (1737-1773), professeur de peinture d'histoire à l'Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg (voir ses œuvres d'inspiration Renaissance Capture miraculeuse et Le sacrifice d'Abraham) et l'influent Alexander Ivanov (1806-58), dont les travaux comprenaient L'apparition du Christ au peuple (1837-57) une immense toile qui a duré 20 ans. Plus tard au cours du siècle, plusieurs membres de la Itinérants groupe a produit des peintures chrétiennes remarquables, caractérisées par une intensité spirituelle unique. Ils comprenaient : Le dernier souper (1863) de Nikolaï Gay La résurrection de la fille de Jaïrus (1871) par Ilya Répine Christ dans le désert (1872) et Rires ("Salut, Roi des Juifs!") par Ivan Kramskoï Le Christ et la femme adultère (1887) par Vasily Polenov.

D'autres peintures chrétiennes exceptionnelles d'artistes modernes comprennent: L'Angélus (1859) par le réaliste barbizon Jean-François Millet Le Christ devant Pilate (1881) du réaliste hongrois Mihaly Munkacsy L'entrée triomphale du Christ à Bruxelles en 1889 (1888), par James Ensor, leader du mouvement Symbolisme La relique chrétienne (1893) par le peintre espagnol réaliste social Joaquin Sorolla l'inachevé Adam et Eve (1918) du maître viennois Gustav Klimt Ecce Homo (1925) de l'expressionniste allemand Lovis Corinth Le Pape qui hurle (1953) de Francis Bacon, inspiré par Velazquez Innocent X (1650) Peintures murales de Mark Rothko pour la chapelle de l'Université catholique St Thomas à Houston Crucifixion 3.85 (1985) d'Antonio Saura, inspiré par Velazquez Crucifixion (1631).

Par ailleurs, il existe de nombreuses œuvres expressionnistes du peintre catholique français Georges Rouault, notamment sa série de La Sainte Face, les Crucifixion et Christ moqué, qui font de lui l'un des artistes chrétiens les plus importants du XXe siècle. Une distinction similaire pourrait être décernée au peintre fantastique russe Marc Chagall, dont l'art juif imaginatif et les scènes de l'Ancien Testament ont été suivis plus tard par sa série sur des thèmes religieux - Le message biblique - aujourd'hui exposée au Musée Cimiez, à Nice. Chagall a également réalisé un certain nombre de dessins de vitraux pour les cathédrales de Metz (1968) et de Reims (1974), ainsi que la synagogue Hadassah près de Jérusalem. En outre, il s'est fait remarquer pour l'art de la tapisserie qu'il a conçu pour la Knesset.

Une autre tapisserie chrétienne moderne était la haute de 75 pieds Christ en gloire (1962) commandé pour la cathédrale de Coventry et conçu par Graham Sutherland (1903-80). Il a été tissé par Pinton Frères, à Felletin, en France.


Art de la Renaissance

Avec l'avènement de l'imprimerie, le savoir était pour la première fois depuis plus de 1000 ans accessible aux personnes extérieures au clergé, aux nobles, aux aristocrates et aux royaux. Une attention particulière a été accordée aux époques classiques en Grèce et à Rome, qui jusqu'à la Renaissance étaient le summum de l'accomplissement humain. De nombreuses peintures de la Renaissance sont devenues une référence à de nombreuses œuvres d'art ultérieures dans le monde

Une passion renouvelée pour l'apprentissage et pour la réussite humaine a conduit à l'influence de toutes ces nouvelles études dans la formation d'un plus grand art.

De nombreuses caractéristiques de l'art de la Renaissance ont conduit à un changement révolutionnaire dans le monde de l'art

Origines et importance historique du style Renaissance :

Au début du XVe siècle, la famille de Médicis de renommée papale et bancaire avait fait de Florence, en Italie, l'une des villes les plus riches du monde. Préoccupés par les arts et les sciences, ils avaient mis en place plusieurs guildes concurrentes qui dépensaient de grosses sommes d'argent pour commander et financer des artistes pour créer des œuvres d'art opulentes et somptueuses.

La guilde Arte del Calimala a décidé en 1401 de commander une nouvelle porte pour le baptistère de la cathédrale de Florence et de décider qui serait le plus grand artiste pour un travail aussi important, ils ont organisé un concours dans lequel ils ont demandé des échantillons de compositions probables . Sept jeunes artistes ont participé et le concours a été remporté par Lorenzo Ghiberti. Cet ensemble de portes ornées de scènes lambrissées est considéré par certains comme le début de la Renaissance.

Les sculpteurs de la Renaissance se sont intéressés à la sculpture classique lorsque les sculpteurs Filippo Brunelleschi et Donatello se sont impliqués dans l'étude de l'archéologie. Leur étude des vestiges romains a inspiré la peinture, l'architecture et la sculpture ainsi que d'autres artistes, dans tous les médiums, de l'époque.

Le sculpteur, et le peintre aussi, doivent être formés à ces arts libéraux : grammaire, géométrie, philosophie, médecine, astronomie, perspective, histoire, anatomie, théorie du dessin, arithmétique.“. – Lorenzo Ghiberti

Plus au nord, aux Pays-Bas, les peintres amélioraient la peinture à l'huile, qui était auparavant principalement utilisée pour peindre sur du cuir, car les peaux d'animaux avaient besoin d'une peinture souple qui ne craquait pas et ne s'écaillait pas.

Avant d'utiliser l'huile, les peintres utilisaient la détrempe, mais lorsqu'ils ont commencé à utiliser l'huile, ils ont largement dépassé la gamme de techniques avec lesquelles ils travaillaient. L'huile permettait une variation de la lumière, de la texture, du ton et de la valeur et parce qu'elle peut être diluée avec de l'huile et créer un effet et diluée avec de la térébenthine pour en créer un autre, elle leur a donné la possibilité de peindre la lumière, la brume, le brouillard, la mousseline et autres éphémères éléments dans leur art. Les techniques pétrolières se sont propagées en Italie puis de là à Venise.

Les peintres italiens de Florence se sont intéressés à la façon dont la lumière et la perspective affectaient ce que nous voyons et comment cela est peint. Ils ont passé beaucoup de temps non seulement à s'interroger à ce sujet, mais à essayer de discerner comment cela fonctionnait et comment le manipuler. Piero della Francesca a étudié la question scientifiquement.

Toujours scientifique, Léonard de Vinci a fait une étude de la lumière et de la perspective et l'a poussée plus loin pour étudier différents types de perspective, l'ordre et les détails du monde naturel, les effets de la valeur et de l'ombre sur la profondeur, et comment la lumière a joué sur le éléments proches et lointains du paysage. Son étude des cadavres humains lui a permis de mieux comprendre la proportion squelettique du corps humain ainsi que l'arrangement de la musculature. Les fruits de son étude sont très évidents dans les peintures qu'il a réalisées.

“La simplicité est la sophistication ultime. Comme une journée bien passée apporte un sommeil heureux, une vie bien dépensée apporte une mort heureuse. Apprendre n'épuise jamais l'esprit”. – Léonard de Vinci

Le grand sculpteur et peintre Michel-Ange s'intéressait également intensément à l'anatomie humaine.

Au début de sa carrière, il a sculpté la Statue de David, l'un des plus beaux exemples à ce jour de sculpture recréant le corps humain dans des proportions parfaites. Son intérêt pour le sujet a été présent tout au long de sa carrière tant en sculpture qu'en peinture. Il voulait non seulement être précis physiquement et scientifiquement, mais il voulait aussi montrer l'expression du corps à travers l'émotion et le mouvement.

Sa dédicace est à jamais peinte sur le plafond de la chapelle Sixtine où elle a inspiré les artistes et toute l'humanité depuis plus de 500 ans.

Si, dans ma jeunesse, j'avais réalisé que la splendeur durable de la beauté dont j'étais amoureux reviendrait un jour dans mon cœur pour y allumer une flamme qui me torturerait sans fin, avec quel plaisir aurais-je éteint la lumière dans mes yeux”. – Michel-Ange

Points forts du style Renaissance :

  • Les intellectuels de la Renaissance, les artisans et, finalement, le grand public ont été exposés à la philosophie humaniste qui a exploré l'idée que l'homme était responsable de sa propre relation avec Dieu et avec son prochain, et l'idée que l'Église n'était pas uniquement l'autorité sur ces relations. .
  • Lorsque les peintres à l'huile aux Pays-Bas ont commencé à utiliser l'huile, leurs peintures avaient encore la proportion non linéaire des périodes médiévales et la structure de placement hiérarchique de cette époque. dépeint le Christ et ses disciples présentant une grande profondeur d'émotion, inspirant l'art religieux à partir de cette époque.
  • Alors que les peintres florentins accordaient une grande attention à la perspective, les peintres néerlandais l'ignoraient. Ils se sont concentrés sur la recréation très réaliste de leurs sujets.

Art de la Renaissance - uvres d'art majeures


Pittoresque

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Pittoresque, concept artistique et style de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle caractérisés par une préoccupation pour les valeurs picturales de l'architecture et du paysage en combinaison les unes avec les autres.

L'enthousiasme pour le pittoresque a évolué en partie en réaction contre la tendance néoclassique du XVIIIe siècle, qui mettait l'accent sur la formalité, la proportion, l'ordre et l'exactitude. Le terme pittoresque désignait à l'origine une scène de paysage qui semblait sortir d'une peinture dans le style des artistes français du XVIIe siècle Claude Lorrain ou Gaspard Poussin. En Angleterre, le pittoresque a été défini dans une longue controverse entre Sir Uvedale Price et Richard Payne Knight comme une qualité esthétique existant entre le sublime (c'est à dire., impressionnant) et le beau (c'est à dire., serein), et un marqué par une variété agréable, une irrégularité, une asymétrie et des textures intéressantes. Par exemple, les ruines médiévales dans un paysage naturel étaient considérées comme typiquement pittoresques.

Le pittoresque n'a jamais évolué vers une théorie cohérente, mais divers travaux d'architecture et de jardinage témoignent de son influence, notamment en mettant l'accent sur la relation entre les bâtiments et leur cadre naturel ou paysager. Price était le principal représentant du pittoresque dans le jardinage paysager. L'architecte et urbaniste anglais John Nash a réalisé certaines des œuvres les plus exemplaires incorporant le concept. Voir également folie.


Impact de la Réforme protestante

La Réforme était un mouvement religieux au 16ème siècle qui a entraîné la division théologique entre les catholiques romains et les protestants.

Objectifs d'apprentissage

Décrire la Réforme protestante et ses effets sur l'art d'Europe occidentale du XVIe siècle

Points clés à retenir

Points clés

  • L'art qui représentait des personnages ou des scènes religieuses suivait la théologie protestante en décrivant des personnes et des histoires avec précision et clarté et mettait l'accent sur le salut par la grâce divine, plutôt que par des actes personnels ou par l'intervention de la bureaucratie de l'église.
  • L'art de la Réforme a embrassé les valeurs protestantes, bien que la quantité d'art religieux produite dans les pays protestants ait été considérablement réduite. Au lieu de cela, de nombreux artistes des pays protestants se sont diversifiés dans des formes d'art laïques comme la peinture d'histoire, les paysages, les portraits et les natures mortes.
  • La Réforme protestante a induit une vague d'iconoclasme, ou la destruction de l'imagerie religieuse, chez les évangélistes les plus radicaux.

Mots clés

  • Réforme protestante: Le schisme du XVIe siècle au sein du christianisme occidental initié par Martin Luther, John Calvin et d'autres premiers protestants caractérisé par l'objection aux doctrines, aux rituels et à la structure ecclésiastique de l'Église catholique romaine et a conduit à la création d'églises protestantes, qui étaient en dehors du contrôle du Vatican.
  • iconoclasme: La croyance, la participation ou la sanction de la destruction d'icônes religieuses et d'autres symboles ou monuments, généralement pour des motifs religieux ou politiques.

La Réforme protestante et l'art

La Réforme protestante était un mouvement religieux qui s'est produit en Europe occidentale au cours du XVIe siècle et qui a entraîné la division théologique entre les catholiques romains et les protestants. Ce mouvement a créé une scission Nord-Sud en Europe, où généralement les pays du Nord sont devenus protestants, tandis que les pays du Sud sont restés catholiques. La théologie protestante était centrée sur la relation individuelle entre l'adorateur et le divin, et par conséquent, le mouvement artistique de la Réforme s'est concentré sur la relation personnelle de l'individu avec Dieu. Cela se reflétait dans un certain nombre de personnes ordinaires et de scènes quotidiennes représentées dans l'art.

La Réforme a inauguré une nouvelle tradition artistique qui a mis en évidence le système de croyance protestant et a divergé radicalement de l'art humaniste d'Europe du Sud produit pendant la Haute Renaissance. L'art de la Réforme a embrassé les valeurs protestantes, bien que la quantité d'art religieux produite dans les pays protestants ait été considérablement réduite (en grande partie parce qu'un grand mécène des arts - l'Église catholique - n'était plus actif dans ces pays). Au lieu de cela, de nombreux artistes des pays protestants se sont diversifiés dans des formes d'art laïques comme la peinture d'histoire, les paysages, les portraits et les natures mortes.

L'art qui représentait des personnages ou des scènes religieuses suivait la théologie protestante en décrivant des personnes et des histoires avec précision et clarté et mettait l'accent sur le salut par la grâce divine, plutôt que par des actes personnels ou par l'intervention de la bureaucratie de l'église. C'est l'influence directe d'une critique majeure de l'Église catholique pendant la Réforme : les peintres ont créé des scènes bibliques qui s'écartaient de leur histoire vraie, étaient difficiles à identifier et étaient agrémentées d'effets picturaux au lieu de se concentrer sur le message théologique. En termes de sujet, les images emblématiques du Christ et les scènes de la Passion sont devenues moins fréquentes, tout comme les représentations des saints et du clergé. Au lieu de cela, des scènes narratives de la Bible et des représentations moralistes de la vie moderne sont devenues courantes.

La Réforme protestante a également capitalisé sur la popularité de la gravure en Europe du Nord. La gravure a permis aux images d'être produites en masse et largement accessibles au public à faible coût.L'église protestante a donc pu apporter sa théologie au peuple grâce à des supports visuels portables et peu coûteux. Cela a permis la disponibilité généralisée d'images visuellement persuasives. Avec le grand développement du marché de la gravure et de l'estampe à Anvers au XVIe siècle, le public disposait d'images accessibles et abordables. De nombreux artistes ont fourni des dessins à des éditeurs de livres et d'imprimés.

Iconoclasme et résistance à l'idolâtrie

Toutes les formes de protestantisme ont montré un degré d'hostilité aux images religieuses, en particulier la sculpture et les grandes peintures, les considérant comme des formes de culte des idoles. Après les premières années de la Réforme, les artistes des régions protestantes ont peint beaucoup moins de sujets religieux pour l'affichage public, en partie parce que l'art religieux était depuis longtemps associé à l'Église catholique. Bien qu'il y ait eu un effort conscient pour développer une iconographie protestante des images de la Bible dans les illustrations de livres et les estampes. Au début de la Réforme, certains artistes ont fait des peintures pour les églises qui représentaient les dirigeants de la Réforme de manière très similaire aux saints catholiques. Plus tard, le goût protestant s'est détourné de l'affichage de scènes religieuses dans les églises, même si certaines ont continué à être exposées dans les maisons.

Il y eut aussi une réaction contre les images de la mythologie classique, l'autre manifestation de la Haute Renaissance à l'époque. Cela a entraîné un style qui était plus directement lié à la représentation précise de l'époque actuelle. Par exemple, Bruegel’s Fête de mariage dépeint un dîner de noce flamand-paysan dans une grange. Il ne fait aucune référence à des événements religieux, historiques ou classiques et donne simplement un aperçu de la vie quotidienne du paysan flamand.

Bruegel’s Mariage paysan: Bruegael’s Mariage paysan est une peinture qui capture la tradition artistique de la Réforme protestante : se concentrant sur des scènes de la vie moderne plutôt que sur des thèmes religieux ou classiques.

La Réforme protestante a provoqué une vague d'iconoclasme, ou la destruction de l'imagerie religieuse, parmi les évangélistes les plus radicaux. Les dirigeants protestants, en particulier Huldrych Zwingli et Jean Calvin, ont activement éliminé les images de leurs églises et ont considéré la grande majorité des images religieuses comme idolâtres, voire de simples croix. D'autre part, Martin Luther a encouragé l'affichage d'une gamme restreinte d'images religieuses dans les églises. Pour l'essentiel, cependant, l'iconoclasme de la Réforme a entraîné une disparition de l'art figuratif religieux, par rapport à la quantité de pièces profanes qui ont émergé.

Iconoclasme : Pièce d'autel catholique: Retable de la cathédrale Saint-Martin d'Utrecht, attaqué dans l'iconoclasme protestant en 1572. Ce retable est redevenu visible après une restauration en 1919 qui a supprimé le faux mur placé devant lui.


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